Category: история

Category was added automatically. Read all entries about "история".

Выставка "Группа пяти: утраты и открытия" 14 января 2016 - 26 января 2016 в галерее "Открытый клуб"


Небольшая выставка художников «Группы пяти» в самом начале 2016 года – это первое приближение, своеобразный эскиз большого художественного проекта, амбициозной идеи повторить знаменитую выставку последнего объединения в «эпохе художественных объединений» отечественного искусства довоенных лет – группы Л.И. Аронова, М.В. Добросердова, Л.Я. Зевина, А.И. Пейсаховича и А.И. Ржезникова, которая проходила в Москве в 1940 году. Представляя работы этих художников сегодня, нам хотелось бы подчеркнуть значимость личного пространства, интимную искреннюю интонацию их искусства, которая так контрастировала с интонацией подавляющего большинства деятелей советской культуры конца 30-х годов. Впрочем, выставка «Группы пяти» сегодня призвана не столько продемонстрировать в полной мере творческое наследие пяти художников – у нас, к сожалению, нет такой возможности, – но в первую очередь поставить вопрос о судьбе культурного наследия в современном мире, о значении и актуальности этого наследия, о возможностях его выживания.Мы стремимся восстанавливать и минимально интерпретировать сведения об уже мифической эпохе русских 1920–1930-х, подчеркивая полифоническую структуру этого периода – созвучие художественных языков, зачастую противоречащих друг другу по своим творческим задачам, но в целом создающих удивительную общую гармонию сочетаний. Это именно та интонация, которая могла бы представлять русскую культуру и историю XX века не как историю поражения авангардных утопических идей и торжество соцреалистического искусства, обслуживающего интересы тоталитарной власти, но как ветвь мировой модернистской культуры, имеющей интернациональные черты, не прерывавшейся в России, существующей и актуальной сегодня.

(Александр Аневский +7 916 657 3456)

Открытие выставки в четверг 14 января в 19.00
Галерея "Открытый клуб"
Спиридоновка, 9/2 (вход со двора)

Артеология в доме Наркомфина 12 августа 2015 г.



Дорогие друзья и коллеги, Arteology возвращается к лекционному формату. 12 августа 2015 г. в 20.00. в знаменитом Доме Наркомфина (Новинский бульвар, дом 25, корпус 1) состоится первая в этом сезоне встреча, на которой мы снова будем говорить об искусстве 1920-х – 1930-х годов. Мы планируем рассказать о событиях в художественной жизни Москвы 1928 – 1930 годов, т.е. в годы строительства этого замечательного исторического здания.

Встреча состоится в одной из больших двухуровневых квартир,  в доме работает пропускной режим, нужно оформить пропуск, поэтому просим сообщить о вашем твердом намерении присутствовать на почту gruppaludey@gmail.com.  

Работа Арона Ржезникова "Пейзаж" 1928 г.

IMG_0731

В далеком 2012 году появилась эта работа Арона Ржезникова. На обороте написано: А.И. Ржезников №39 "Пейзаж", 1928, 36х53,5 Авторство удостоверяется семьей художника В.Н. Руцая, ученика Ржезникова. Действительно, графика, похожая на эту, иногда встречается у коллекционеров. Сейчас работа отреставрирована и ждет своего счастливого часа попасть на выставку и представлять замечательного, очень интересного художника, большинство работ которого лежат в запасниках музеев и сегодня имеют слишком мало шансов увидеть своего зрителя.       

Миша Тренихин о Ржезникове 6 февраля 2014

47 семинар общества «Московские древности»

3 февраля 2014
А.И. Ржезников. Автопортрет. 1926 (?). Холст, масло. Местонахождение неизвестно

А.И. Ржезников. Автопортрет. 1926 (?). Холст, масло. Местонахождение неизвестно

Друзья! В ближайший четверг, 6 февраля, собираемся послушать доклад искусствоведа Михаила Тренихина на тему:

«Импрессионизм, Сезанн, традиции французского искусства XIX века в творческих спорах художников и критиков Москвы 1930-х годов».

Среди прочего, в докладе будет освещена история ГМНЗИ — Государственного музея нового западного искусства.

Начало семинара — в 19.00. Собираемся, как и в прошлый раз, в библиотеке префекта ЦАО по адресу: Новоспасский переулок, дом 5. Желающие могут приехать к 18.30 на ст.м. «Таганская» (радиальная) — ждем всех 10 минут, потом идем в библиотеку.

Как добраться: нужно выйти из станции метро Таганская-радиальная (именно радиальная, если вы приехали на кольцевую, то проще перейти под землей, чем переходить через Таганскую площадь), из хлопающих дверей прямо. Выходим, идем прямо по улице Большие Каменщики где-то 500 метров (или два длинных дома, которые будут справа от вас). После дома номер 8 переходим через дорогу и сворачиваем направо, идем вдоль светло-коричневого сталинского здания. Видим слева арку под кирпичной галереей, проходим под ней и сразу поворачиваем направо — там будет дверь библиотеки.

Мероприятие бесплатное. Просьба принести что-нибудь к чаю! Тем, кто не хочет пить чай из пластиковых стаканов, надо захватить с собой кружку.

Узбекистан. Нукус. Государственный музей искусств имени И. В. Савицкого. май 2012. Часть 4

В Государственном Русском Музее в Санкт-Петербурге графика русских художников 20 века отсутствует в постоянной экспозиции как класс, в Музее им. И.В. Савицкого графику смотреть не менее интересно, чем живопись, ей отведены отдельные большие залы. Основной ряд художников - тот же, но, конечно, выглядит это все совершенно по-другому. Другой Соколов, другая Софронова, другой Курзин (!), Ечеистов, добавляется Чекрыгин, Жегин и т.д. Конечно, фотографировать через стекло - дело неблагодарное, но в этом отчете вообще все фотографии очень низкого качества, они только дают слабый намек и просто перечисляют невероятные богатства музея в пустыни... Некоторые, даже многие работы встречаются в альбомах по искусству 1920-х - 1930-х, мы конечно ждем новую версию сайта Музея с подробным описанием и фотографиями экспонатов постоянной экспозиции и всего того, что находится в запасниках. По словам работников Музея на стенах висит 5% коллекции! Целые наследия, целиком все работы некоторых художников хранятся в Нукусе, от многих художников именно лучшее находится в Нукусе, все это требует внимательного изучения и, в первую очередь, популяризации и какой-то очень тонкой, правильной пропаганды - иначе все это искусство можно будет называть антиквариатом, и мы потеряем (на рынке, в буржуазных очень скучных руках, в запасниках провинциальных и особенно центральных музеев) очень важную часть себя, часть нашей истории - очень светлую, очень честную и чистую, совершенно нами не прожитую, нам неизвестную, в которой мы так нуждаемся сегодня!
Конечно я лично хотел бы, чтобы весь Музей, вся коллекция переехала в Москву и заняла лучшее помещение города, ведь большинство судеб художников, их жизнь так или иначе была связана с Москвой, ВХУТЕМАСом, московскими художественными студиями, северной культурой. Эту коллекцию увидело бы большее число людей, туристов, о ней бы узнали во всем мире. Но после поездки в Нукус я стал спокойнее относится к этому своему (очень эгоистическому) желанию. Мне показалось, что для далекой республики Каракалпакистан жизненно важно иметь такой культурный центр, что-то кроме высохшего Аральского моря, пустыни, важно гордится вниманием западного мира, заботиться о Музее, приглашать специалистов для исследований и пропаганды этого искусства. Сейчас есть все технические возможности для этого, - есть интернет, в Нукус летают самолеты напрямую из Москвы, вообще в Узбекистан легко попасть, там есть еще Хива, Бухара и Самарканд. Необходимо организовывать выставки, благо постоянная экспозиция Музея от этого совершенно не пострадает. Короче говоря, у нас сложилось впечатление, что Музей в каком-то смысле кормит этот небогатый край, местные жители относятся к нему очень серьезно, и легенда о Савицком живет там и развивается. Может быть эти все рассуждения очень наивные, но, даже если Музей дает работу сотне каракалпаков, это достаточно важно для этого края, не знаю...

Графика.

IMG_0675 Графика. Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Графика Михаила Ивановича Курзина мне очень понравилась, показалась даже интереснее живописи. Очень хороший художник!

IMG_0479 Курзин Михаил Иванович (1888-1957). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Николай Георгиевич Карахан

IMG_0480 Карахан Николай Георгиевич (1900-1970). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Стена Жегина и Георгия Ечеистова. У Ечеистова в Музее была живопись, которую я почти не заметил, графика, особенно знаменитые фигурки - очень... стильные, и это готовая открытка/ плакат/ постер. А Жегин, наоборот, показался глубоким, значительным, серьезным. Чекрыгин ожидается.
-
IMG_0481 Жегин (Шехтель) Лев Федорович (1892-1969) и Ечеистов Георгий Александрович (1897-1946). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

Любовь Попова, знаменитая ее работа "Дома", и Никритин - это действительно настоящий авангард. Вообще, когда друзья говорят о русском авангарде, они имеют в виду именно такое искусство - футуристическое, формальное, до середины (примерно) 1920-х. Туда точно попадает ранние работы например Софроновой и Соколова, но более поздние работы этих же художников - ведь что-то совсем другое, - тоже прорыв, что-то новое, но основанное совершенно на других идеях, скорее противоречащее формальному искусству авангарда. Но авнгард нам, конечно, очень нравится, - с первого взгляда!

IMG_0484 Попова Любовь Сергеевна (1889-1924) и Никритин Соломон Борисович (1893-1965). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Вот наверное самое святое в Музее - маленькие рисунки Михаила Ксенофонтовича Соколова первой половины 1940-х, которые он пересылал из лагеря. Они все примерно 5 см. Это не авангард, но определенно совершенно запредельное искусство, которое наверняка способно исцелять, призводить разные чудеса, может по праву быть предметом преклонения и паломничества... Так все и происходит.

IMG_0485 Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

Над витриной висит ранняя графика Михаила Соколова, кажется, все - только шедевры.

IMG_0488 Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

Соломон Никритин и Анатолий Прокопьевич Щукин (1904-1935)

IMG_0489 Никритин Соломон Борисович (1893-1965) и Щукин Анатолий Прокопьевич (1904-1935) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Вот художники - Шевченко, Бакулина, Тарасов - что в живописи, что в графике абсолютный идеал. Валентин Михайлович Юстицкий, знакомый мне по альбому группы 13, попался мне на глаза первый раз. Не помню, есть ли работы этого графика на стене ГТГ, там все очень часто и очень интересно меняется, спасибо им большое за залы графики.

IMG_0493 Шевченко Александр Васильевич (1882-1948 Юстицкий Валентин Михайлович (1892-1951) Бакулина Людмила Галактионовна (1905-1980) Тарасов Николай Павлович (1896-1969) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Продолжение этой же стены - Людмила Бакулина и гениальный художник Николай Павлович Тарасов.

IMG_0494 Бакулина Людмила Галактионовна (1905-1980) Тарасов Николай Павлович (1896-1969) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

IMG_0497 Тарасов Николай Павлович (1896-1969) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Две работы Владимира Сергеевича Тимирева и две работы Василия Чекрыгина. Недавно разговаривали о Чекрыгине, и девушка говорила о том, что ее вообще пугает Чекрыгин, и учение Федорова - очень опасно для жизни, лучше в это не влезать. Действительно, есть о чем подумать. Чекрыгин очень меня заинтриговал, наверное это один из самых значительных русских художников 20 века, ну что тут еще скажешь?!

IMG_0498 Тимирев Владимир Сергеевич (1914-1938) и Чекрыгин Василий Николаевич (1897-1922) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

Николай Тимирев и Ефросинья Ермилова-Платова

IMG_0501 Тимирев Владимир Сергеевич (1914-1938) и Ермилова-Платова Ефросинья Федосеевна (1895-1974) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Николай Тимирев и Михаил Ле Дантю

IMG_0502 IMG_0501 Тимирев Владимир Сергеевич (1914-1938) и Ле Дантю Михаил Васильевич (1891-1917) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Графика Мазеля.

IMG_0503 Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Илья (Рувим) Мазель и Юлия Разумовская

IMG_0504 Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) и Разумовская Юлия Васильвна (1896-1987)

Илья (Рувим) Мазель и Сергей Михайлович Луппов - такая же замечательная графика, как и живопись.

IMG_0505 Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) и Луппов Сергей Михайлович (1893-1977)

-

IMG_0506 Луппов Сергей Михайлович (1893-1977) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Суряев Константин Николаевич. Его живопись висит высоко над лестницей на третий этаж, чтобы школьникам не бросались в глаза провокационные сюжеты его картин..

IMG_0507 Суряев Константин Николаевич (1900-1965) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Штанге Ирина Дмитриевна. Эта работа называется "Страх", 1945

IMG_0508 Штанге Ирина Дмитриевна (1906-) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Стена графики: Кудряшов Иван Алексеевич (1896-1972), Соколов Петр Ефимович (1886 (82)-1976 (64)), Софронова Антонина Федоровна (1892-1966). Видимо для Нукуса Петр Соколов - очень важный художник, график. Несколько разворотов в книге "Авангард, остановленный на бегу", фотографии, но "Сведениями о художнике авторский коллектив не располагает". В следующем альбоме 2003 года есть биография - (1886-1976) родился и умер в Москве, учился в студии И.И. Машкова в Москве, где жил до 1917 года, В 1919 направлен преподавателем в Воронежский ВХУТЕМАС, в 1920 направлен на Урал, жил в Перми, с лета 1920 - в Екатеринбурге. В начале 1921 уезжает в Пензу, тоже в Пензенский ВХУТЕМАС, в ноябре 1921 возвращается в Москву, где продолжает образование во ВХУТЕМАСе в мастерской Павла Кузнецова. По окончании остается в его мастерской ассистентом.
Вот биография все-таки наверняка того же Соколова из сайта галереи Шишкина: "Русский художник–авангардист. Живописец, график. Учился в частной студии у Ильи Машкова. Брал уроки у Павла Кузнецова. В 1918–1920 работал как ассистент в художественной студии у К. Малевича. Один из организаторов отделения ВХУТЕМАСа в Воронеже (1926). Начал выставляться в конце 1910–х. Был женат на А. Боевой, директоре художественного училища в Екатеринбурге (1920). Под влиянием идей Пролеткульта, а также футуристических идей, вместе они устроили «погром» гипсовых слепков и живописи в колледже. По другой информации Соколов, который работал в Екатеринбурге до ликвидации художественного училища, в первые годы революции приехал в Пензу, где он снова возглавил художественное училище и разбил там гипсовые слепки. П. Соколов известен также как учитель известного советского нонконформиста, художника Владимира Немухина (род. 1925)".
"Совком" в 2007-2009 продает пейзажи Соколова Петр Ефимовича (1882-1964), некоторые из которых датированы 1980-ми.
Нукусская графика этого художника, его живопись из альбома "Авангард, остановленный на бегу", могли бы стать предметом изучения специалистов по истории искусства, можно писать дипломы, диссертации, в биографии художника явно полно белых пятен, с другой стороны из того, что о нем написано, видно - этот человек стоял у истоков создания новой системы художественного образования в России, это очень интересно!


IMG_0509 Кудряшов Иван Алексеевич (1896-1972), Соколов Петр Ефимович (1886 (82)-1976 (64)), Софронова Антонина Федоровна (1892-1966) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

В конце залов графики и вообще постоянной экспозиции художников 1920-х - 1930-х на третьем этаже Музея им. И.В. Савицкого снова "восточные художники".

Урал Тансыкбаев

IMG_0515 Тансыкбаев Урал (1904-1974) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

Александр Волков

IMG_0520 Волков Александр Николаевич (1886-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0517 Волков Александр Николаевич (1886-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Витрина графики Александра Николаева

IMG_0519 Николаев Александр Васильевич (1897-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0518 Николаев Александр Васильевич (1897-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Александр Волков и Виктор Уфимцев

IMG_0524 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Волков Александр Николаевич (1886-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Collapse )

Виктор Уфимцев

IMG_0522 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0523 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0521 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

***

Саша Балашов «Василий Андреевич Коротеев. Уверенность отчаяния»


               
Пятница 03 февраля 2012 в 20.30 Москва Хохловский переулок 7, Китай-город

Цикл «Творческая биография как метафора истории». Вторая лекция

Саша Балашов. «Василий Андреевич Коротеев. Уверенность отчаяния»

Каждая встреча с работами Василия Андреевича Коротеева заставляет вспоминать слова, сказанные о нём его дочерью, Надеждой Васильевной Коротеевой: «Чтобы так писать, необходима у в е р е н н о с т ь  о т ч а я н и я. Я вспоминаю отца, его способность со злостью бросить мазок – просто так это не родится.»

Эти слова созвучны мысли Льва Шестова: «Только человек, затерявшийся в вечности и предоставленный самому себе и своему безмерному о т ч а я н и ю, способен направить свой взор к последней истине.» («На весах Иова. Странствие по душам»)

Немного выше Шестов пишет: «Чтобы увидеть истину, нужны не только зоркий глаз, находчивость, бдительность и т.п. – нужна способность к величайшему самоотречению. И не в обычном смысле. Недостаточно, чтобы человек согласился жить в грязи, холоде, выносить оскорбления, болезни, жариться в фаларийском быке. Нужно ещё то, о чём вещает псалмопевец: внутренно расплавиться, перебить и переломать скелет своей души, то, что считается основой нашего существа, всю ту готовую определённость и выявленность представлений, в которой мы привыкли видеть veritates aeternae. Почувствовать, что внутри тебя всё стало текучим, что формы не даны вперёд в вечном законе, а что их нужно ежечасно, ежеминутно создавать самому.»

Здесь сказано то, что составляло смысл и содержание искусства в ХХ столетии, как понимал его В. А. Коротеев – преодоление видимости, преодоление искусства как системы создания видимостей и открытие искусства в новом времени как способа появления человека и мира. Это открытие не может случиться однажды, раз и навсегда. Оно происходит постоянно, для каждого в каждый момент его жизни. Искусство – это форма, в которой человек создаёт мир. Это относится не только к художникам, но ко всем участникам диалога: нет искусства, смыслы которого остаются неизменными 50, 100, 500 лет; дело не в том, что мы знаем об исторических смыслах культуры, дело в том, как мы открываем их сегодня.

В этом-то и причина бесконечного возвращения искусства к живописи, а живописи – к фигуративности – неприемлемость никакой формулы истины и никакой модели современности. Вечное возвращение подобного. Когда современная критика говорит – мы прошли период живописи и живописи больше нет – это значит – эта критика занята другим, она отдана созданию видимостей. Это её работа в информационном поле – она наполняет фиктивные смыслы современной культуры.

Но мы знаем, что ничто не прошло; более того, разве что-то вообще случилось однажды, что не происходит, что всё ещё не продолжается и теперь? Разве может быть что-то, чего мы не сделали сами?

Арон Ржезников - "Поль Сезанн" Часть 4 ["Искусство" 1940 г. №2]

Некоторые писатели, анализируя Сезан-
на, видят в его творчестве ряд этапов, ко-
торые определяют по цвету красочной гам-
мы его работ. Но по существу путь его
знает два этапа: доимпрессионистский период
и второй этап - после знакомства с Писсар-
ро. В послеимпрессионистский период его
творчество определяется одной общей по-
ступательной линией в разнообразии иска-
ний, линией, получившей свое специфическое
выражение в каждом из разрабатывавшихся
им жанров.

В исследованиях, которые пишутся о
Сезанне, очень мало учитывается факт и
характер учебы, на которую он себя обрек.
Полю Сезанну приходилось совершенно дру-
гими путями итти к построению живописно-
го реализма, нежели художникам ХVI и
ХVII вв. Последние получили традицию ма-
стерства преемственно и обогатили ее нау-
кой, прежде всего теми преимуществами, ко
торые дают перспектива и анатомия. В самом деле, у предшественников высо-
кого Возрождения в пластическом отношении мало такого, чего нельзя было бы най-
ти у Рафаэля или Тициана сохраненным и
при этом значительно умноженным и обо-
гащенным.

Как углубилось, например, понимание
цвета? Живопись великих реалистов ХVI в.
усилила взаимодействия между цветами, со-
хранив в то же время силу и характерность
их локальности. Как много дало разнообра-
зие реалистической детализации, сопровожда-
емое превращением всех деталей в цвет!
Особенно уточнилась трактовка живописного
единства произведения. Целостность живо-
писи, достигаемая организацией холста по
большим цветовым площадям, была сохране-
на, но к этому присоединилось введение еди-
ной световой гаммы, вяжущей живопись бо-
лее органически, так сказать, до миллиме-
тра. Мощь единой световой гаммы, достиг-
нутая лучшими мастерами ХVI и ХVII вв., ни-
когда более не была повторена. Импрессио-
нисты, правда, расширили задачу изучения
единой световой среды, понимаемой во всем
разнообразии, в каком она встречается в
природе, но в ее передаче они не дошли до
того реализма и содержательности, какие
мы видим у старых мастеров. Особенно мно-
го создали старые мастера в области ком-
позиции. Еще у примитивов был глубоко раз-
работан ансамбль всех форм.

Уже в иконе художник, создавая про-
порциональность, архитектоничность масс,
хотел придать значительность изображаемо-
му. Исключительную роль при этом играл
учет пластического движения; ритмическая,
«музыкальная» связь форм должна была по-
мочь выразить основную настроенность ан-
самбля. При этом архитектурные мотивы,
холмы и предметы натюрморта играли как
бы роль аккомпанемента, усиливавшего ту
выразительность, которую художник хотел
показать в человеческих фигурах.

Интерпретировав указанные черты по-
средством более глубокого изучения жизни,
природы, художники Ренессанса довели их
до совершенства.

Еще мастера ХIV и ХV вв. довели пла
стическое мышление до такой высоты, что
некоторые достижения этой эпохи, особенно
 в области скульптуры, не были превзой-
дены и впоследствии.

И в живописи ХVI в. дал высшие об-
разцы реализма, до конца построенного на
фундаменте пластического и живописного
понимания действительности.

Известную помощь оказало при этом
изучение анатомии и в особенности перспек-
тивы.

Потребность в более глубоком пласти-
ческом
подходе к содержанию действитель-
ности толкала художников на изучение
этих дисциплин. Это так же верно, как и
то, что европейская традиция живописи за
последние 70—80 лет отгораживалась от
перспективы и анатомии.

Изучение и изображение человека в раз-
нообразии ракурсов и перспективное изо-
бражение пластически понятого простран-
ства чрезвычайно обогатили средства худо-
жественного выражения. Пользуясь ими,
Микельанджело и Рафаэль могли построить любое количество композиционных групп,
глубоко отличных одна от другой как по
характеру и движению изображенных людей,
так и по объемно-пространственному ансам-
блю каждой группы в целом.

Один из камней преткновения формали-
стов, и притом наиболее искренних и по
следовательных из них, это непонимание
того факта, что реализм ХVI в. сильно обо-
гатил пластическую систему примитивов.

Конечно, характер связей и движений
пластических масс у великих реалистов не
выступает так обнаженно, как в примити-
вах, но это не мешает быть этим связям
более точными, более сложными и внутренне
контрастными. Эффект сложного ритма, в
котором трудно усмотреть схему отдель-
ных движений, подобен движению колеса,
быстрота вращения которого делает невоз-
можным зрительное восприятие спиц.

Убежденный формалист, составивший
себе представление о композиции на основе
двухмерного ритма работ примитивов, никог-
да не поймет сложного ритма глубоко реа-
листического произведения.

Сложный ритм основан не только на
движениях, развертывающихся в плоскости
картины, но также и на гармонической по-
следовательности развития пластических объ-
емов в глубину, которая стала возможной
благодаря условно, средствами перспективы
изображенному трехмерному пространству.

Эти две системы глубинного и плоско-
стного решения композиционной гармонии на-
ходятся в слитном взаимодействии и един-
стве.

Гармония решения плоскости картины в
реалистическом произведении возникает на
основе последовательного расположения
форм в глубину.

Благодаря этому решение плоскости, ее
сохранение в реалистическом произведении
абсолютно отличны от двухмерной гармонии
примитивов.

Формалисты, отправляющиеся от пред-
ставления композиции форм и цветов как
двухмерной пластической организации, вос-
принимают композицию реалистического
произведения как неизбежно «сумбурную»,
не понимая, что имеют дело с гармонизацией
высшего порядка.

Для них такое решение плоскости - это иллюзионистическое разрушение живо-
писной поверхности. Формализм по самой своей природе неспособен усмотреть разницы между пласти
чески гармоничным реализмом и пошлым
иллюстративным натурализмом.

По существу Ренессанс создал чрезвычайно высокий образец гармонического ре-
шения плоскости, трактуя последнюю как
условную, но закономерно избранную секу-
щую перспективно изображенного объемно-
пространственного массива.

Формалисты могли тем легче игнориро-
вать реалистическую традицию Ренессанса,
что последняя достигла предела опошления
в академизме и натурализме салонов.

Перспектива, анатомия были превраще-
ны в сборник мертвых правил, ничего обще-
го не имеющих с искусством; они утеряли всякий смысл в пластическом отношении и
применялись потому только, что так уже
заведено исстари. Реализм вырядился в ил-
люзионизм, было потеряно представление о
единстве изобразительной плоскости. Вырож-
дение художественной формы шло рука об
руку с опошлением содержания образа.

В этих условиях развала искусства по-
явление таких художников, как импрессио-
нисты и Поль Сезанн, было актом глубоко-
го прогрессивного значения. Хотя сами они
не сумели поднять вопрос о настоящей кар-
тине по-новому, но своей борьбой с фальси-
фицированной картиной, за правдивое изуче-
ние фрагментов жизни в композиционно ор-
ганизованных этюдах они создали лучшее,
что дало искусство Франции той эпохи.

Таким образом, путь учебы,— намеченный
Полем Сезанном, неразрывно связанный с его
творчеством, должен был резко отличаться
от любой школы, существовавшей до него
и в его время.

Сезанн по сути дела - это начало кри-
тического периода в истории живописного
мастерства, периода, еще не окончившегося
 и в наши дни. Великие мастера Возрожде
ния были необычайно точны, можно сказать, непогрешимы в пластической и живописной гармонии, но обладание таким мастерством
было для них чем-то столь естественным,
что им не приходило даже в голову делать
его объектом изучения, как они поступали
с перспективой, с анатомией и другими нау-
ками, которые могли иметь отношение к их
искусству.

Другое дело - основы изобразительно-
го искусства для художника, жившего в дни
господства академизма, для художника, бо-
ровшегося с течением, опошлившим великую
традицию. Для него работать, двигаться
вперед, учиться - это значило осознать
элементы своего искусства. Точно так же
как старые мастера относились к перспек-
тиве, анатомии, истории, так Поль Сезанн
относился к цвету, объему, воздуху, свету,
композиции и т. д. Глубоко ошибаются лю-
ди, которые рассматривают это как рациона-
лизм. Пусть они попытаются себе предста-
вить конкретно процесс творческого освое-
ния такого хотя бы понятия, как цвет, и они
поймут, что никакие рассудочные манипуля-
ции не помогут, если нет глаза, нет вкуса,
нет чувства. Очень часто люди, лишенные
глаза, лишенные чувства, охотно готовы об-
винить произведение в нежизненности пото-
му только, что сами не способны его вос-
принять, с больной головы сваливают на
здоровую; секрет якобы слабой доходчивости
некоторых хороших произведений коренится не
в них самих, а в слабой восприимчивости
людей, мнящих себя знатоками.