?

Log in

No account? Create an account

Узбекистан. Нукус. Государственный музей искусств имени И. В. Савицкого. май 2012. Часть 4
gruppa5
В Государственном Русском Музее в Санкт-Петербурге графика русских художников 20 века отсутствует в постоянной экспозиции как класс, в Музее им. И.В. Савицкого графику смотреть не менее интересно, чем живопись, ей отведены отдельные большие залы. Основной ряд художников - тот же, но, конечно, выглядит это все совершенно по-другому. Другой Соколов, другая Софронова, другой Курзин (!), Ечеистов, добавляется Чекрыгин, Жегин и т.д. Конечно, фотографировать через стекло - дело неблагодарное, но в этом отчете вообще все фотографии очень низкого качества, они только дают слабый намек и просто перечисляют невероятные богатства музея в пустыни... Некоторые, даже многие работы встречаются в альбомах по искусству 1920-х - 1930-х, мы конечно ждем новую версию сайта Музея с подробным описанием и фотографиями экспонатов постоянной экспозиции и всего того, что находится в запасниках. По словам работников Музея на стенах висит 5% коллекции! Целые наследия, целиком все работы некоторых художников хранятся в Нукусе, от многих художников именно лучшее находится в Нукусе, все это требует внимательного изучения и, в первую очередь, популяризации и какой-то очень тонкой, правильной пропаганды - иначе все это искусство можно будет называть антиквариатом, и мы потеряем (на рынке, в буржуазных очень скучных руках, в запасниках провинциальных и особенно центральных музеев) очень важную часть себя, часть нашей истории - очень светлую, очень честную и чистую, совершенно нами не прожитую, нам неизвестную, в которой мы так нуждаемся сегодня!
Конечно я лично хотел бы, чтобы весь Музей, вся коллекция переехала в Москву и заняла лучшее помещение города, ведь большинство судеб художников, их жизнь так или иначе была связана с Москвой, ВХУТЕМАСом, московскими художественными студиями, северной культурой. Эту коллекцию увидело бы большее число людей, туристов, о ней бы узнали во всем мире. Но после поездки в Нукус я стал спокойнее относится к этому своему (очень эгоистическому) желанию. Мне показалось, что для далекой республики Каракалпакистан жизненно важно иметь такой культурный центр, что-то кроме высохшего Аральского моря, пустыни, важно гордится вниманием западного мира, заботиться о Музее, приглашать специалистов для исследований и пропаганды этого искусства. Сейчас есть все технические возможности для этого, - есть интернет, в Нукус летают самолеты напрямую из Москвы, вообще в Узбекистан легко попасть, там есть еще Хива, Бухара и Самарканд. Необходимо организовывать выставки, благо постоянная экспозиция Музея от этого совершенно не пострадает. Короче говоря, у нас сложилось впечатление, что Музей в каком-то смысле кормит этот небогатый край, местные жители относятся к нему очень серьезно, и легенда о Савицком живет там и развивается. Может быть эти все рассуждения очень наивные, но, даже если Музей дает работу сотне каракалпаков, это достаточно важно для этого края, не знаю...

Графика.

IMG_0675 Графика. Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Графика Михаила Ивановича Курзина мне очень понравилась, показалась даже интереснее живописи. Очень хороший художник!

IMG_0479 Курзин Михаил Иванович (1888-1957). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Николай Георгиевич Карахан

IMG_0480 Карахан Николай Георгиевич (1900-1970). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Стена Жегина и Георгия Ечеистова. У Ечеистова в Музее была живопись, которую я почти не заметил, графика, особенно знаменитые фигурки - очень... стильные, и это готовая открытка/ плакат/ постер. А Жегин, наоборот, показался глубоким, значительным, серьезным. Чекрыгин ожидается.
-
IMG_0481 Жегин (Шехтель) Лев Федорович (1892-1969) и Ечеистов Георгий Александрович (1897-1946). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

Любовь Попова, знаменитая ее работа "Дома", и Никритин - это действительно настоящий авангард. Вообще, когда друзья говорят о русском авангарде, они имеют в виду именно такое искусство - футуристическое, формальное, до середины (примерно) 1920-х. Туда точно попадает ранние работы например Софроновой и Соколова, но более поздние работы этих же художников - ведь что-то совсем другое, - тоже прорыв, что-то новое, но основанное совершенно на других идеях, скорее противоречащее формальному искусству авангарда. Но авнгард нам, конечно, очень нравится, - с первого взгляда!

IMG_0484 Попова Любовь Сергеевна (1889-1924) и Никритин Соломон Борисович (1893-1965). Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Вот наверное самое святое в Музее - маленькие рисунки Михаила Ксенофонтовича Соколова первой половины 1940-х, которые он пересылал из лагеря. Они все примерно 5 см. Это не авангард, но определенно совершенно запредельное искусство, которое наверняка способно исцелять, призводить разные чудеса, может по праву быть предметом преклонения и паломничества... Так все и происходит.

IMG_0485 Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

Над витриной висит ранняя графика Михаила Соколова, кажется, все - только шедевры.

IMG_0488 Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

Соломон Никритин и Анатолий Прокопьевич Щукин (1904-1935)

IMG_0489 Никритин Соломон Борисович (1893-1965) и Щукин Анатолий Прокопьевич (1904-1935) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Вот художники - Шевченко, Бакулина, Тарасов - что в живописи, что в графике абсолютный идеал. Валентин Михайлович Юстицкий, знакомый мне по альбому группы 13, попался мне на глаза первый раз. Не помню, есть ли работы этого графика на стене ГТГ, там все очень часто и очень интересно меняется, спасибо им большое за залы графики.

IMG_0493 Шевченко Александр Васильевич (1882-1948 Юстицкий Валентин Михайлович (1892-1951) Бакулина Людмила Галактионовна (1905-1980) Тарасов Николай Павлович (1896-1969) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Продолжение этой же стены - Людмила Бакулина и гениальный художник Николай Павлович Тарасов.

IMG_0494 Бакулина Людмила Галактионовна (1905-1980) Тарасов Николай Павлович (1896-1969) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

IMG_0497 Тарасов Николай Павлович (1896-1969) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Две работы Владимира Сергеевича Тимирева и две работы Василия Чекрыгина. Недавно разговаривали о Чекрыгине, и девушка говорила о том, что ее вообще пугает Чекрыгин, и учение Федорова - очень опасно для жизни, лучше в это не влезать. Действительно, есть о чем подумать. Чекрыгин очень меня заинтриговал, наверное это один из самых значительных русских художников 20 века, ну что тут еще скажешь?!

IMG_0498 Тимирев Владимир Сергеевич (1914-1938) и Чекрыгин Василий Николаевич (1897-1922) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

Николай Тимирев и Ефросинья Ермилова-Платова

IMG_0501 Тимирев Владимир Сергеевич (1914-1938) и Ермилова-Платова Ефросинья Федосеевна (1895-1974) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Николай Тимирев и Михаил Ле Дантю

IMG_0502 IMG_0501 Тимирев Владимир Сергеевич (1914-1938) и Ле Дантю Михаил Васильевич (1891-1917) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Графика Мазеля.

IMG_0503 Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Илья (Рувим) Мазель и Юлия Разумовская

IMG_0504 Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) и Разумовская Юлия Васильвна (1896-1987)

Илья (Рувим) Мазель и Сергей Михайлович Луппов - такая же замечательная графика, как и живопись.

IMG_0505 Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) и Луппов Сергей Михайлович (1893-1977)

-

IMG_0506 Луппов Сергей Михайлович (1893-1977) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Суряев Константин Николаевич. Его живопись висит высоко над лестницей на третий этаж, чтобы школьникам не бросались в глаза провокационные сюжеты его картин..

IMG_0507 Суряев Константин Николаевич (1900-1965) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Штанге Ирина Дмитриевна. Эта работа называется "Страх", 1945

IMG_0508 Штанге Ирина Дмитриевна (1906-) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Стена графики: Кудряшов Иван Алексеевич (1896-1972), Соколов Петр Ефимович (1886 (82)-1976 (64)), Софронова Антонина Федоровна (1892-1966). Видимо для Нукуса Петр Соколов - очень важный художник, график. Несколько разворотов в книге "Авангард, остановленный на бегу", фотографии, но "Сведениями о художнике авторский коллектив не располагает". В следующем альбоме 2003 года есть биография - (1886-1976) родился и умер в Москве, учился в студии И.И. Машкова в Москве, где жил до 1917 года, В 1919 направлен преподавателем в Воронежский ВХУТЕМАС, в 1920 направлен на Урал, жил в Перми, с лета 1920 - в Екатеринбурге. В начале 1921 уезжает в Пензу, тоже в Пензенский ВХУТЕМАС, в ноябре 1921 возвращается в Москву, где продолжает образование во ВХУТЕМАСе в мастерской Павла Кузнецова. По окончании остается в его мастерской ассистентом.
Вот биография все-таки наверняка того же Соколова из сайта галереи Шишкина: "Русский художник–авангардист. Живописец, график. Учился в частной студии у Ильи Машкова. Брал уроки у Павла Кузнецова. В 1918–1920 работал как ассистент в художественной студии у К. Малевича. Один из организаторов отделения ВХУТЕМАСа в Воронеже (1926). Начал выставляться в конце 1910–х. Был женат на А. Боевой, директоре художественного училища в Екатеринбурге (1920). Под влиянием идей Пролеткульта, а также футуристических идей, вместе они устроили «погром» гипсовых слепков и живописи в колледже. По другой информации Соколов, который работал в Екатеринбурге до ликвидации художественного училища, в первые годы революции приехал в Пензу, где он снова возглавил художественное училище и разбил там гипсовые слепки. П. Соколов известен также как учитель известного советского нонконформиста, художника Владимира Немухина (род. 1925)".
"Совком" в 2007-2009 продает пейзажи Соколова Петр Ефимовича (1882-1964), некоторые из которых датированы 1980-ми.
Нукусская графика этого художника, его живопись из альбома "Авангард, остановленный на бегу", могли бы стать предметом изучения специалистов по истории искусства, можно писать дипломы, диссертации, в биографии художника явно полно белых пятен, с другой стороны из того, что о нем написано, видно - этот человек стоял у истоков создания новой системы художественного образования в России, это очень интересно!


IMG_0509 Кудряшов Иван Алексеевич (1896-1972), Соколов Петр Ефимович (1886 (82)-1976 (64)), Софронова Антонина Федоровна (1892-1966) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

В конце залов графики и вообще постоянной экспозиции художников 1920-х - 1930-х на третьем этаже Музея им. И.В. Савицкого снова "восточные художники".

Урал Тансыкбаев

IMG_0515 Тансыкбаев Урал (1904-1974) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографияCollapse )

Александр Волков

IMG_0520 Волков Александр Николаевич (1886-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0517 Волков Александр Николаевич (1886-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Витрина графики Александра Николаева

IMG_0519 Николаев Александр Васильевич (1897-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0518 Николаев Александр Васильевич (1897-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Александр Волков и Виктор Уфимцев

IMG_0524 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Волков Александр Николаевич (1886-1957) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографияCollapse )

Виктор Уфимцев

IMG_0522 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0523 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

-

IMG_0521 Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

***

Узбекистан. Нукус. Государственный музей искусств имени И. В. Савицкого. май 2012. Часть 3
gruppa5
От поездки в Узбекистан в мае 2012 года осталось море впечатлений и море фотографий. Так получилось, что мы сфотографировали все стены Музея имени И.В. Савицкого в Нукусе, все, что мы увидели произвело на нас огромное впечатление, как мы и ожидали честно говоря. Экспозиция постоянно меняется. Нас очень интересовал художник Николай Иванович Прокошев - его работы хранятся у нас в Москве в доме не одно поколение. Обычно Прокошев висит в постоянной экспозиции, но, когда мы приехали, он реставрировался. Нам выдали справку о всех интересовавших нас художниках (о всех, связанных с группой Пяти). Было приятно узнать, что в Нукусе есть работы Льва Ильича Аронова. Льва Зевина там не оказалось (зато позже мы обнаружили его в Тбилиси, об этом - отдельная история). Сейчас, спустя почти год после поездки пришло время разбирать фотографии, публиковать это все, возможно этот материал не вызовет ни у кого интереса, останется просто архивом нашей увлекательной поездки. Это третья часть рассказа о Музее Савицкого, я стараюсь меньше писать и больше выкладывать фотографий. Может быть их качество так себе, но дает представление о жизни очень известных и важных для нас работ в таком экзотическом месте, как Каракалпакистан.
Важно, что опыт художников 1920-х - 1930-х, которые в такой полноте представлены в Нукусе, нами до конца не прожит, точнее совсем не прожит, для нас это в основном совершенно современное новое свободное искусство, зачастую непонятное специалистам, но очень близкое сегодня моим друзьям. Я даже не имею в виду стилевые какие-то вещи, бодрый советский стиль 1920-х, а глубину, отчаяние, свет в работах Лысенко, Марковой, Луппова, Жегина, Чекрыгина, Козлова, Никритина, Порет, Редько Сурикова и т.д. Ничего не понимая в искусстве, мы сегодня все равно интуитивыно чувствуем в этих художниках мощь и силу, с помощью которой можем жить в действительности 21 века.

Продолжая смотреть Музей, после художников "Бубнового валета" двигаемся дальше. Вот картины, авторов которых я совершенно не помню. Натюрморт с игрушками может быть Зефиров?

IMG_0632 НЕИЗВЕСТНО

Узбекистан. Нукус. Государственный музей искусств имени И. В. Савицкого. май 2012. Часть 2
gruppa5
В первой части рассказа о нашей поездке в Узбекистан и особенно о посещении музея имени Савицкого в Нукусе мы рассказывали о начале нашего путешествия, о том, что в Нукус из Москвы попасть очень легко, ничего страшного, были фотографии улиц, "музейной гостиницы", Музея снаружи. Так получилось, что мы сфотографировали все стены Музея. Мы в Узбекистане - обычные туристы из Москвы, не искусствведы, не специалисты, но люди, очень интересующиеся русским (советским) искусством 1920-х - 1930-х, даже немного "повернутые" на этой теме. Конечно имена и работы Соколова, Софроновой, Шевченко, Истомина, Никритина и т.д. для нас очень много значат, это предметы поклонения и обожания конечно. В первой части этой истории мы опубликовали фотографии стен экспозиции Волкова, Тансыкбаева, Карахана, самого Савицкого и некоторых других, в этой части мы идем по Музею дальше, к сожалению, теперь, почти через год после поездки, когда руки дошли наконец сделать этот маленький отчет, трудно вспомнить расположение залов. На втором этаже Музея, на котором представлена постоянная экспозиция смоветских 1920-х - 1930-х, залы, стенды расположены по кругу, отдельно графика, отдельно живопись, во всем есть логика и смысл, но сейчас к сожалению, трудно это все восстановить, даже имея все фотографии. Смотрим дальше:

Витрина с работами Александра Васильевича Николаева, к сожалению из-за стекла фотографии не получились, но работы - одни из лучших в Музее, огромное впечатление!


IMG_0458 (Александр Васильевич Николаев (1897-1957))
Еще фотографииCollapse )
Вокруг витрины Николаева - работы Виктора Ивановича Уфимцева и Елены Людвиговны Коровай. Уфимцев с 1923 года жил в Узбекистане, умер в Ташкенте в 1964. В Москве сейчас он - относительно известный художник в том числе благодаря выставке в галерее Галеев и альбому, изданному этой замечательной галереей. Елена Коровай - член объединения "Мастера нового Востока", жила в Узбекистане с 1923 по 1947 год, на стене ее работа "Бухарские розовые женщины. Утро", как и работы Волкова, Курзина и Уфимцева - символ, такой шедевр творчества художников, живших в Узбекистане в 1920-1930е. Может быть из-за сильного впечатления от маленьких драгоценных работ Николаева, может быть из-за очень плотной развески живопись Коровай и Уфимцева не показались мне лично такими... какими я их ждал, может быть после залов Волкова я уже устал от восточных мотивов этих абсолютно русских, западных художников. Надо обязательно поехать в Музей еще раз и посмотреть внимательней... Уверен, на выставке в Москве это были бы лучшие работы из собрания Музея...

IMG_0554 Коровай Елена Людвиговна (1900-1974) и Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964)
-

IMG_0459 Коровай Елена Людвиговна (1900-1974) и Уфимцев Виктор Иванович (1899-1964). Музей им Савицкого, Нукус, май 2012
Надежда Васильевна Кашина. Это гениальный художник. Я буду вспоминать Узбекистан таким, каким я увидел его на стене в Нукусе - волной счастья, открытости, смелости картин Кашиной. Это такой "небесный Узбекистан", такой, каким он может быть был в конце 1920-х, а может быть это все было только внутри этой девушки.
Кашина Надежда Васильевна (1896-1977). Музей им Савицкого. Нукус, май 2012     


Еще фотографииCollapse )

Михаил Иванович Курзин. Еще один из русских переселенцев в Узбекистане 1920-х. Очень пострадал во время репрессий, в Музее его работы особенно выделяют, в фильме "Desert of forbidden art" Курзин основной автор, как бы представитель, голос своей плеяды. Мне лично в Музее очень понравилась его графика, живопись оставила тягостное впечатление безусловно очень талантливого художника, но не все его работы были мне близки.
IMG_0571 курзин
-
IMG_0570 курзин


В книге Ольги Осиповны Ройтенберг "Неужели кто-то вспомнит что мы были" довольно много репродукций художницы Валентины Петровны Марковой. Мне они никогда не нравились, ну что поделать?! Когда мы попали в Музей, Маркова оказалась одним из главных моих открытий. У нее в картинах есть такой удивительный золотой свет и тонкость, это сразу видно "вживую", на репродукциях этого я не видел. Маркова - таже компания, что и Коровай, и Курзин, тоже член объединения "Мастера нового Востока", она мне теперь нравится гораздо больше остальных. Душераздирающая история ее жизни (ну например , несколько фотографий из книги Ройтенберг, и, конечно, золотистые картины в Нукусе - это потрясающее открытие!


Алексей Владимирович Исупов (1889-1957) в 1915-1923 жил в этих краях, служил в армии, в 1926 эмигрировал в Италию. Эту работу "Восточное кафе" датируют 1914-1921 - почти всем временем пребывания художника в Туркестане. Как и почти про все работы в Музее - хочется написать "Какая красота!", но это, конечно, и так понятно...

IMG_0599 Исупов Алексей Владимирович (1889-1957) Музей им Савицкого, Нукус май 2012

Вот главный художник собрания Музея им Савицкого: Евгений Александрович Лысенко (1903-?) Из книги "Авангард, остановленный на бегу": "Приезжает в Ташкент в 1918 году, откуда - неизвестно. Работает проводником на железной дороге. Увлекается живописью, учится в художественной студии в Ташкенте. В 1919 году уезжает в Москву, где около двух лет занимается у А. Тышлера. В конце 1920-х годов Лысенко вернулся в Ташкент. Большая часть картин и рисунков художника погибла. (...) Произведения Евгения Лысенко были найдены И.В. Савицким в плачевном состоянии - без подрамников, сложенные много раз, как куски обычной ткани. По словам Савицкого, Лысенко долго и тяжело болел, был разбит параличем. Скончался он на руках у сестры где-то на Волге, куда был увезен ею." Это все, что известно об этом гениальном художнике. От него осталось только 4 или 6 работ, они все в Нукусе. Видимо из-за особенностей существования музеев в советское время Савитский был вынужден придумать искусствоведческую легенду, интерпретацию картин Лысенко как "предостережение, предчувствие бедствий, которые принесет миру фашизм". Эта интерпретация так и прилипла к картинам, о них так и рассказывают сегодня. Очевидно работы Лысенко имеют какой-то космический масштаб, все они очень важны для мирового порядка что ли, это чувствуется сразу. Если по репродукциям можно было сравнить стиль Лысенко с филоновским (по сложной структуре, переплетению сюжетов и форм и т.д.), то вживую Лысенко ни на кого не похож, это абсолютно самобытный художник, его работы - какие-то биологические, их структура - как структура листа или стебля травы. Вглядываясь в эту структуру, чувствуешь сложность и тонкость устройства мира, не имитацию жизни, а саму жизнь. Прямо в этих картинах, серьезно! У картин Лысенко мы встретили реставратора Музея - Альвину Шпаде, которую видели в американском фильме. Она много лет работала над картинами Лысенко, реставрировала их акварелью, для нее этот художник очень много значит, а сама Альвина показалась нам очень добрым, открытым человеком. Уверен, на такой работе не может быть других людей.

IMG_0603 лысенко

Еще фотографииCollapse )
IMG_0602 лысенко
-
IMG_0601 лысенко
-
IMG_0600 лысенко


Алексей Федорович Подковыров (1889-1957). Этот стенд находится почти напротив работ Лысенко, никак с ними не пересекается, это художник совсем другого толка, но как удивительно и замечательно, как в букете что ли, видеть в одной экспозиции таких разных, непересекающихся художников! И так везде в Музее - все очень разные, и это огромное достоинство коллекции и времени, в котором создавались эти работы.
IMG_0607 Подковыров Алексей Федорович (1889-1957) Музей им Савицкого. Нукус, май 2012

Моргунов Алексей Алексеевич (1884-1935). За углом экспозиция художников "Бубнового валета", а при входе в их зальчик стенд этого замечательного московского художника, тоже из "Бубнового валета", и из "Бытия", и из "Ослиного хвоста"...

IMG_0609 Моргунов Алексей Алексеевич (1884-1935) Музей им Савицкого, Нукус, май 2012

Еще фотографияCollapse )

Мазель Рувим Моисеевич (1890-1967) и Ульянов Николай Павлович (1875-1949). Мазель очень запоминается, портреты Ульянова я еле вспомнил, искал их в книгах. Оба художника жили после Туркестана в Москве, оба побывали за границей - в Италии и Германии, а я побежал дальше смотреть "Бубновый валет".

IMG_0610 мазель и неизвестно

Еще фотографииCollapse )
IMG_0630 Объединение Бубновый валет. Музей им Савицкого, Нукус, май 2012
-
IMG_0629 панорама с бубновым валетов


Художник Александр Васильевич Куприн. Как на параде.

IMG_0613 Куприн Александр Васильевич (1880-1960). Музей им Савицкого. Нукус, май 2012

Художник Осмёркин Александр Александрович.

IMG_0614 Осмёркин Александр Александрович (1892-1953). Музей им Савицкого, Нукус май 2011

Григорьев Николай Михайлович. Кажется, это не Бубновый валет, но неважно. Очень интересно

IMG_0615 Григорьев Николай Михайлович (1880-1943). Музей им. Савицкого. Нукус, май 2012

Художник Рождественский Василий Васильевич.

IMG_0624  Рождественский Василий Васильевич. Музей им Савицкого. Нукус, май 2012
-
IMG_0618 Рождественский Василий Васильевич. Музей им Савицкого. Нукус, май 2012
-
IMG_0617 рождественский

Вот менее наверное известный художник - Сергей Александрович Богданов, в том числе учился у Рождественского. У него в Музее целая стена, справа Осмеркин, Рождественский, Куприн, слева - Фальк. Но мне показалось, он ничем не уступает этим великим художникам, две большие картины с девушками - одни из моих любимых почему-то.

IMG_0623 Богданов Сергей Александрович (1888-1967) Музей им Савицкого. Нукус, май 2012
-
IMG_0622 богданов
-
IMG_0621 богданов снизу

Небольшой очень красивый пейзаж Бурлюка:

IMG_0625 Бурлюк Музей им Савицкого Нукус май 2012

остальное - художник Роберт Рафаилович Фальк.

IMG_0627 Фальк Роберт Рафаилович (1886-1958) Музей им Савицкого, Нукус, май 2012
-
IMG_0626 фальк

Саша Балашов «Действительность поставангарда» лекция в библиотеке им. Тургенева
gruppa5

БАРТО РОСТИСЛАВ НИКОЛАЕВИЧ. ЧИТАЮЩИЙ ЖУРНАЛ. 1928

Лекция «Действительность поставангарда»  состоится в четверг 27 декабря в 20.00 в зале Тургеневской библиотеки.

Название лекции полностью совпадает с названием той, которая состоялась 29 ноября, и это означает, что мы снова вернёмся на выставку «Поставангард» и продолжим обсуждение работ, которые экспонировались на ней, но остались за пределами нашего внимания. Мы завершим разговор о том, почему искусство 1920-х – 1930-х годов так непосредственно, ясно и прямо обращается к нашему времени, почему оно так понятно нам и так открыто перед нашим временем, как будто апеллирует к одному из измерений современности, одной из живых составляющих современной культуры, как будто со времени его создания не прошло почти сто лет. Это будет разговор о непрерывности одной из культурных традиций русского искусства или культурного текста, разговор о непрерывности одного из живых языков русской культуры.

Именно тема «непрерывности» художественной речи, истоки которой видятся в искусстве 1910-х – 1920-х годов, заставляют нас обратить особое внимание на творчество художников-ровесников века в 1950-х – 1960-х годах и даже позже, в 1970-х – 1980-х годах. Их работы этого периода собираются в удивительное явление в культуре России ХХ века, ожидающее понимания и осмысления.

«Собираются» – ещё одно ключевое слово, которое требует специального пояснения. Говоря об искусстве поставангарда, мы часто упоминаем, что помимо музеев, значительная часть этого культурного наследия находится в частных коллекций. На выставке «Поставангард»  все работы представляли одно корпоративное и несколько частных собраний. Как правило, информация об этих собраниях появляется очень ограниченно. Мы поговорим о современных коллекциях, о коллекционировании, о смыслах, которых скрываются за самим словом «коллекция» – владение, хранение, открытие, ответственность, трансляция и прочая. Возможно, в этой части нашей встречи мы перейдём от теории к практике. Это будет новогодняя встреча. Поэтому будут сюрпризы.

Если говорить на профессиональном языке, я бы сказал, что главной темой новой беседы станет вопрос о методологии исследования: большинство современных работ по истории вопроса, описывая художника, или группу художников, или художественное явление, стремятся включить его в уже существующую классификацию, найти для него существующий разряд, название, приписать его к существующему списку имён, чтобы создать видимость понимания или, точнее, понятности, ясности, что такое этот факт культуры в существующей модели истории и существующей терминологии, как он укладывается в принятую систему фактов, никаким образом не нарушая её порядка. Современная историческая наука, как правило, стремится подчинить факт принятой системе, вместо того, чтобы разглядеть в нём индивидуальность и своеобразие, позволяющее исключить его из порядка существующих классификаций. Две культурные тенденции противостоят одна другой в современном мире, одна из них отражает намерение объединить все факты культуры и по возможности интегрировать их в единую иерархическую систему, другая больше внимания уделяет различиям между культурными фактами и стремится подчёркивать индивидуальность и уникальность культурного события.

Мы наблюдали эти тенденции в искусстве ХХ столетия и сегодня словно становимся свидетелями продолжения этого исторического конфликта – история уже написана или она продолжает создаваться?

Ничто не случилось раз и навсегда и история – это только взгляд в одно время из другого, и не известно, на чём он задержится сегодня.

Мы будем говорить о реальности присутствия искусства поставангарда в нашем мире.
СБ


Узбекистан. Нукус. Государственный музей искусств имени И. В. Савицкого. май 2012. Часть 1
gruppa5

В мае 2012 мы съездили в Узбекистан. Для нас в этой поездке должны были совпасть обычные туристические интересы, мы ехали посмотреть страну, древние знаменитые города, странную, непривычную для нас природу, может быть найти приключения, и, конечно, преодолеть иррациональный страх обычных туристов перед нетуристическими, по крайней мере не типичными для нас способами путешествовать. Также нам очень хотелось увидеть знаменитый музей искусств имени И.В. Савицкого в Нукусе, у нас там были дела.

Для нас, как и для многих интересующихся русским искусством 20 века, этот музей – легенда. Обычно рассказ о нем был короток и поражал воображение: «Представляешь, где-то в самой дальней части Узбекистана есть автономная республика Каракалпакистан. Столица республики – центр экологической катострофы, там пустыня - дно высохшего аральского моря, до сих пор остались ржаветь в песках огромные корабли. Так вот, в центре этого города есть большой музей, самая лучшая коллекция русского авангарда 20 века в мире (в некоторых рассказах говорят – после Русского музея). Был такой Савицкий, так вот он вагонами спасал туда искусство, никому ненужное в Москве и запрещенное, и там бережно хранил. Целые наследия удивительных, может быть совершенно гениальных художников там хранятся, и как их теперь увидеть – большой вопрос».

Такая вульгарная история часто повторялась уже нами самими. Мы купили через интернет изданный в 1989 году альбом о Нукусе – знаменитую книгу «Авангард, остановленный на бегу». Наверное, это самая лучшая книга о Музее Савицкого до сих пор.  Очень хорошая вступительная статья Е.Ф. Ковтуна – искренняя и информативная. Параллельно с текстом статьи идут фотографии и документы – тексты писем, заявлений, воспоминаний художников. Наверное здесь – начало легенды: тексты так переплетаются, создают такую очевидную картину совсем недавней очень жестокой, но и такой эпической борьбы Добра со Злом: гибель и выживание, верность и предательство, слава и забвение, вера и отчаяние, любовь и ненависть конечно и Бог знает, что еще – все это досталось в 1920-30-е людям по-людски, и одновременно художникам в профессиональном отношении.

av_stopped

Вторая статья посвящена основателю музея Игорю Витальевичу Савицкому, абсолютно легендарному персонажу этого эпоса. Статья написана действующим директором музея, преемницей Савицкого М.М. Бабаназаровой. Она в национальном наряде каракалпаков позирует на одной из фотографий альбома, это когда легенда одного народа соединяется с легендой другого. Наверное мы не ошибемся, если скажем, что в музее царствует культ личности Савицкого, он являлся не только коллекционером живописи русских художников, он организовал большую археологическую работу в Узбекистане, его вклад в исследование истории региона - огромный.     

Основная часть альбома – иллюстрации, репродукции картин. Важный момент – о многих художниках в краткой биографической справке сказать почти нечего, как например об авторе главных наверное экспонатов музея - Евгении Александровиче Лысенко. Где он родился, где он умер, что с ним происходило – почти неизвестно, биографии практически не существует. Осталось 6 картин, каждая из которых – абсолютный шедевр, особенно «Бык» - фактически символ музея, работа какого-то космического значения...

Важно, что в альбом вошли совершенно разные художники, это бросается в глаза и это особенно вызывает уважение к коллекции, собранной из совершенно разных художественных течений и стилей. И работы не конфликтуют между собой, а наоборот, дополняют.

Книгой в книге, или, точнее, альбомом в альбоме, представлены видовые фотографии достопремичательностей Узбекистана: от брошенных в пустыне кораблей Муйнака до Хивы и  каракалпакских крепостей. Почти все это мы увидели своими глазами, проехав Узбекистан от Нукуса до Ташкента.

Пожалуй, перед описанием нашего путешествия стоит еще упомянуть американский фильм «The desert of forbidden art» и тот прискорбный факт, что это единственный известный за пределами Узбекистана документальный фильм о музее Савицкого. Этот фильм доступен сегодня для скачивания в интернете на английском языке без перевода. Кажется, в Москве в ГМИИ Пушкина проходил чуть ли не закрытый показ этого фильма, это кино, как и вся волшебная легенда, осталось достонием только посвященных, людей, которые специально собирают информацию о коллекции Савицкого.

Мы, посмотрев это кино, были немного разочарованы – фильм повторял вульгарную (но конечно захватывающую) историю о художественном Эльдорадо на краю света, рассказывал конечно о коллекционерах, прибывающих в Нукус на собственных самолетах со всего мира, которые тщетно обивают порог музея, о Савицком, немного историй обретения работ Курзина и Лысенко, но в фильме почти не было самих картин и почти не было самих художников. Когда камера случайно скользила по стенам, мы внимательно вглядывались и вылавливали знакомые по книге работы, гадали, сколько и что там еще есть... Несмотря на поверхностность и обобщения фильма, замечательно, что он существует, но совершенно очевидно, что надо снимать дальше, и авторы будущего фильма должны найтись именно в России, это очень важно!

Собираясь в Узбекистан, мы не чувствовали уверенности и вообще четкого понимания, что нам ждать от этой нетуристической сегодня страны. Мы что-то слышали про «улочки Самарканда», удивительный свет, необычную природу, но в то же время бедность и коррупцию.

В Нукус летают самолеты из Москвы, как и в Ургенч, Бухару, Самарканд и Ташкент. Все они ужасно дороги. Мы решили лететь в Самарканд (Ташкент мы фактически пропустили), так как от этого города мы ожидали особенных красот, и там было удобно начинать и заканчивать путешествие. 

Летели хорошо, не очень весело было в аэропорте Самарканда – чувствовалось напряжение и недоброжелательность на таможне, от которой мы уже здесь в Москве отвыкли (на обратном пути, чтобы пропустить какой-то баул, один из пассажиров засовывал офицеру деньги), у выхода из аэропорта на нас набросилась толпа таксистов, от этого мы тоже начали отвыкать, на одном из них мы доехали поздно ночью до гостиницы, которую заранее забронировали. Этот же таксист плохо поменял нам денег – где-то в отчетах мы прочли, что деньги нужно менять именно у таксистов, опыт показал, что деньги можно менять у кого угодно.

Полдня мы гуляли по Самарканду и днем на поезде должны были ехать в Ташкент, чтобы сесть на самолет в Нукус. Конечно, лучше бы он летел из Самарканда, но так все устроено, и так мы спланировали нашу поездку.

Мы очень беспечно отправились на вокзал без билетов за примерно сорок минут до отхода поезда. Конечно, мы сильно удивились забитыми народом кассам, очереди нет, все лезут к окошкам! Это когда-то было в Москве, но уже очень давно. Каким-то чудом мы все-таки попали на поезд, чувствовали себя иностранцами в Советском Союзе, и вообще  ощущение Советского Союза не покидало нас до конца поездки.

Я боюсь летать, и ждал, что самолет из Ташкента в Нукус окажется каким-нибудь ржавым «кукурузником», но все оказалось идеально. Новый хороший самолет, хороший полет.

Надо сказать, что Нукус все-таки большой город, столица республики, таксист отвез нас в «музейную» дорогую гостиницу (60 долларов на двоих) «Жопек Жоли»          

В гостинице Жопек Жоли в Нукусе, май 2012

-

Гостиница Жопек Жоли в Нукусе, май 2012

При гостинице есть нормальный ресторан, номер можно сказать роскошный, есть не только горячая вода, но и кондиционер, все чисто, всюду висят картины. На ночь мы посмотрели идиотский фильм «Стравинский и Коко» по одному из тысячи спутниковых каналов. Для нас это было странно – мы ведь где-то совсем далеко в пустыни, в дальнем углу Узбекистана...

На следующий день мы отправились в Музей. Это квартал от гостиницы. Видимо для города, а может быть и для республики Музей – это центр, какой-то загадочный храм непонятно чего. Советская архитектура, пустые декоративные газоны и чахлые посаженные деревца вокруг – ощущение советского монумента. Это новое впечатление только усиливало легенду.

Музей им. И.В. Савицкого в Нукусе, май 2012
-

Музей им. И.В. Савицкого в Нукусе, май 2012

Музей им. И.В. Савицкого в Нукусе, май 2012

Вот улица прямо напротив Музея:

Нукус, май 2012

Нукус, май 2012

Вообще о самом городе стоит сказать отдельно. Нукус чистый, конечно сравнительно бедный, много детей в чистеньких белых рубашках, за Музеем – колесо обозрения и парк, там вечером гуляют молодые ребята, влюбленные, мамы с колясками, лущат семечки, болтают на скамейках. Наверное тут спокойно. Город (та часть, которую мы видели) устроен ровными квадратами, есть конечно рынок и автобусная станция. На рынке позже мы меняли деньги, в Узбекистане в буквальном смысле огромное количество денег, сто долларов – это внушительная пачка, завернутая в полиэтиленовый пакет.  

Нукус, май 2012

-

Нукус, май 2012

-

Нукус, май 2012

-

Нукус, май 2012

-

Нукус, май 2012

-

Нукус, май 2012

Нам сказали, что через несколько дней начинается национальный праздник, Музей будет (или может быть) закрыт, все будут заняты.  Кстати, именно из-за этого мы начали свое путешествие по Узбекистану от Нукуса, а не только из-за традиции «сделай дело, гуляй смело».

Мы хотели обратиться к администрации Музея с вопросом о наличии в их коллекции работ Льва Аронова, Николая Прокошева и других художников круга Группы пяти. Наша поездка была чисто туристической, но тем не менее помимо открытой экспозиции нам очень хотелось увидеть и узнать о работах  интересующих нас художников.

Мы входим в Музей. Огромное, как ЦДХ, здание внутри кажется небольшим. Мы покупаем билет и разрешение на фотосъемку и каким-то образом тут же знакомимся с научными работниками. Рассказав о цели визита, через 3 минуты попадаем к директору – Маринике Бабаназаровой, женщине в традиционном костюме каракалпаков из нашего альбома.

У нас есть официальный запрос российской Ассоциации искусствоведов по поповоду наших художников, мы отдаем письмо, нам обещана помощь, о запасниках не может быть и речи, но справку о наличии работ нам дадут. Директор Музея, мы видели ее в фильме, произвела на нас очень хорошее впечатление. Учитывая сложные политические и экономические условия Музей живет, выживает, готовит выставки, дай Бог им удачи. Может быть у нас сложилось ошибочное представление, но ведь республика Каракалпакистан известна в мире двумя вещами: катастрофой Аральского моря и Музеем Савицкого, поэтому может быть этот музей – какая-то помощь жителям этой странной республики, их связь с мировой культурой.    

В музее им. Савицкого, май 2012


Нам устроили небольшую экскурсию, но позже мы очень внимательно изучали экспозицию, так получилось, что отсняли все до единой стены с картинами. Посетителей немного, в основном это туристы из западной Европы, экскурсии школьников и множество девушек, которые мыли все, что можно мыть перед надвигающимся национальным праздником. Инспекцию проводила реставратор Музея Альвина Шпаде, настоящий герой и в прямом смысле спасатель коллекции. Мы немножко поговорили, в основном о реставрации работ Лысенко, эта женщина показалась нам очень скромной, простой и доброй. Позже мы купили католог выставки ее живописи. Думаю, это удивительные ощущения – писать, заниматься искусством, когда тебя окружает одна из лучших в мире художественных коллекций...

Художник и реставратор музея им. Савицкого Альвина Шпаде

Экспозиция Музея – два этажа. На первом этаже – администрация, магазин, столовая. По большой лестнице от входа мы поднимаемся на второй этаж к экспозиции археологических находок и истории культуры древних каракалпаков. Слева – выставка картин. Мы поднимаемся на третий, основной этаж. Экспозиция – по кругу, начинается с небольшого зала копий египетских и античных статуй, мы это пропустили, дальше зал работ Игоря Витальевича Савицкого, его личные вещи.      

Музей им. Савицкого. Работы Игоря Витальевича Савицкого, май 2012

-

Музей им. Савицкого. Работы Игоря Витальевича Савицкого, май 2012

-

Музей им. Савицкого. Работы Игоря Витальевича Савицкого, май 2012

Всюду в Музее развеска плотная, бедное оформление картин. Но, если учесть объем коллекции, состояние большинства экспонатов, все так и должно быть на экспозиции – нужно выставить максимальное количество работ, как бы они ни были оформлены
Естественно на экспозиции большая часть места – для узбекских и восточных мотивов - работы Волкова, Карахана и Урала Тансыкбаева

Музей им. Савицкого. Александр Николаевич Волков (1886-1957) Арба, 1924. Нукус, май 2012


Александр Николаевич Волков – наверное его работ в экспозиции Музея больше всего, есть ранние, есть более поздние, есть графика.


Музей им. Савицкого. Работы Александра Николаевича Волкова (1886-1957). Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

Еще фотографииCollapse )
Музей им. Савицкого. Работы Александра Николаевича Волкова (1886-1957). Нукус, май 2012

-
Музей им. Савицкого. Работы Александра Николаевича Волкова (1886-1957). Нукус, май 2012

-
Музей им. Савицкого. Работа Александра Николаевича Волкова (1886-1957) слева и Николая Георгиевича Карахана (1900-1970) справа. Нукус, май 2012

Урал Тансыкбаев. С ранними работами этого художника связана еще одна легенда: Савицкий пришел в мастерскую уже немолодого Тансыкбаева, художника, известного своими соцреалистическими, официальными работами. В результате их общения коллекция Музея пополнилась невероятной красоты и смелости ранними работами этого художника, о существовании которых никто и не подозревал.



-

Музей им. Савицкого. Работы Урала Тансыкбаева. Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )
Музей им. Савицкого. Работы Урала Тансыкбаева. Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )

Николай Георгиевич Карахан (1900-1970)

Вот еще "восточные художники", в том числе О. К. Татевосьян и Г. Никитин...
Музей им. Савицкого. Работы О. Татевосяна и Г. Никитина. Нукус, май 2012

Еще фотографииCollapse )
Путаница Рождественских -  Рождественский Владимир Леонидович (1897-1949), Рождественский Василий Васильевич (1884-1963), художник Колыбанов Сергей Сергеевич.

IMG_0586 Рождественский Василий Васильевич (1884-1963), Рождественский Владимир Леонидович (1897-1949) Колыбанов Сергей Сергеевич. Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Еще Колыбанов

IMG_0588 Колыбанов Сергей Сергеевич. Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012


Еще Владимир Леонидович Рождественский и художник Алексей Михайлович Ган

IMG_0585 Ган Алексей Михайлович (1893—1942) и Рождественский Владимир Леонидович (1897-1949) Музей имени И.В. Савицкого, Нукус, май 2012

Вообще узбекская часть коллекции – конечно самая яркая и представительная, она будет всегда занимать большое пространство Музея просто потому что надо как-то оправдать такое невероятное количество русских, особенно московских художников в таком необычном месте. Да, действительно, Узбекистан был частым источником вдохновения для русских художников, которые приезжали сюда из холодного и голодного северного мира, многие здесь остались жить, многие работали и преподавали, многие провели годы эвакуации во время войны, все это так, но нас тянуло увидеть более знакомое по настроению искусство, три дня возвращаясь в Музей мы все меньше времени проводили у «узбекских» картин, хотя они так поразительно красивы и тонки...

Музей им. Савицкого. Нукус, май 2012

Саша Балашов «Действительность поставангарда» лекция в библиотеке им. Тургенева
gruppa5

Саша Балашов. «Действительность поставангарда»

Четверг 29 ноября 2012 в 20.00

Библиотека им. Тургенева, Москва, Бобров пер., д. 6

Inline image 2

Эта лекция станет началом нового цикла бесед об истории русского искусства ХХ века. Только что завершилась выставка, на которой экспонировались работы художников, которым были посвящены лекции в уходящем году. Мы подведём её итоги. Ещё раз вернёмся в выставочные залы и прислушаемся к тем смыслам, которые приносит в нашу повседневность искусство, которое стремительно приближается к столетним рубежам. Два года назад мы вспоминали, что 100 лет исполнилось со дня проведения первой выставки «Бубновый валет», ещё через два 100 лет исполнится «Чёрному квадрату». Через 10 лет мы будем отмечать 100-летие «Маковца» и НОЖа... Почему это искусство остаётся поразительно современным? Может быть, прежде всего потому что оно и было обращено в будущее и к будущим поколениям, обращено к нам?

СБ


(no subject)
gruppa5
Выставка открыта в Мультимедиа Арт музее на Остоженке 16, проходит всего 10 дней, сегодня 15 ноября уже седьмой день ее работы. 

На сайте куратора выставки и коллекции Александра Балашова - анонс: http://balaschov.ru/blog/

Выставка - яркий пример редчайшей ситуации, когда в степени, полностью удовлетворяющей зрителя, осуществлено кураторское видение экспозиции, когда место каждой из более чем 70 представленных на выставке работ идеально выверено, продумано, везде есть идея, концепция, у выставки есть начало, конец, акценты, неожиданности. То, что в первую очередь бросается в глаза - это равное внимание к признанным и известным именам русского искусства 20 века (Древин, Удальцова, Фальк и т.д.) и такое же (если не большее) внимание к работам малоизвестных художников. Так, например, напротив большого пейзажа Древина - впервые экспонируется графика Арсения Леонидовича Шульца. Одно из центральных мест - "Пейзаж с луной" художника Александра Александровича Риттиха, которого буквально поддерживает, оставаясь как бы скромно в стороне, пейзаж известного мастера Георгия Верейского и так далее.
Открытия выставки не было, но в конце первого дня работы прошла экскурсия для друзей и "сочувствующих", и тех и других собралась, кстати, довольно большая компания. Куратор выставки среди прочего говорил об искусстве поставангарда как о  полифонии зачастую совершенно разных художественных языков, это очень чувствуется на выставке, где один автор, один художественный язык чудесным образом дополняет другой... Это можно увидеть только глядя на "живые" работы, фотографии тут не помогут. Яркий пример - соседство в одном зале работы Костюхина "Бабий городок" - неловкой, искренней, чудесной работы, и двух картин, двух как бы стилизаций Ростислава Барто - "Актрисы" и "Читающего журнал" - Пиросмани и Дерена. Эти две работы - свидетельства художественного мастерства, стиля, вкуса  и обе - большая удача, настоящий символ свободы и сдержанности. 
Хочется подробнее описать некоторые картины и некоторых художников: зрителя встречает ряд больших живописных работ, самыми значительными сегодня представляются пейзажи Александра Древина из его армянского цикла. Удивительно то, что, немножко зная этого художника по его работам в постоянной экспозиции Третьяковской галереи, зная что от него ожидать, испытывая к нему любовь и абсолютное доверие, невольно больше внимания привлекают явно странные работы художника Леонида Павловича Зусмана в этом же ряду. Трудно сказать, известен ли сегодня в России этот автор. Зная по фотографиям картину "Синее платье", зная ее в контексте других работ этого замечательного художника, на выставке становится очевидна ее не поверхностная ирония или насмешка, а печаль, грусть и поэзия. Это очень тонкая работа. "Ленинрадский пейзаж" этого же художника экспонировался не так давно на выставке мировой коллекции ЮниКредит банка "Люди и город", вместе с картиной Даниила Черкеса "Женщина в веках". На этой выставке они снова рядом встречают посетителей и представляют коллекцию. Когда знакомые иностранцы смотрели выставку, именно эти две работы определили их настрой - печаль, глубина, судьба, свобода русского искусства.
Некоторые художники представлены относительно большим числом работ - 4 картины Леонида Зусмана  1920-х годов, - а вот по поводу большой обнаженной Даниила Черкеса к организаторам подошла совсем юная девочка (12-13 лет) - "Черкес - самый интересный. Где же еще работы этого замечательного художника?" Хороший вопрос.
Слева от ряда больших картин на залы первого этажа смотрят "Мальчики на траве" Магдалины Вериго. Вместе с работой Александра Щипицына "Пастух" в них читается христианский сюжет. Был ли он для авторов просто "классическим", каким-то обращением к образам и темам искусства старых мастеров или явился личным переосмыслением религиозного чувства в современном мире? 
На выставке важен свет. Попадая на другие этажи музея с экспозициями фотографий и современными скульптурами, это особенно чувствуется. Картины излучают свет, они по сути своей волшебные, меняющиеся, сложные и провести у каждой, как это принято с фотографиями, 3-5 секунд - означает ничего не увидеть. Каждый день картины выглядят по-разному, по-разному привлекают к себе внимание, это очень важно. К слову сказать, важнейшая работа была проделана организаторами выставки и работниками музея, чтобы сделать правильное освещение. Зал с графикой Шульца и "Лунным пейзажем" Александра Риттиха имеет только холодное освещение, зал с работой Чеботарева - поделен на теплое и холодное по диагонали, нижние залы тоже разделены: один - теплый, другой - холодный свет.
Читая о жизни и быте молодых вхутемасовцев и вообще молодых людей первых советских десятилетий, представляется образ очень трудолюбивых, упорных людей, которые не обращают внимание на внешнюю нищету и лишения, они отдают всю свою жизнь тому, во что верят. Находясь среди картин того времени много лет - на выставках, в квартирах, в запасниках, - можно заметить ту же "внешнюю нищету и лишения" в оформлении и состоянии работ. Они так часто убого оформлены, они так часто требуют реставрации. Важная особенность выставки и представленной коллекции - работы в идеальном состоянии, отреставрировано все, все оформлено с таким вниманием, заботой и любовью, что... остается пожелать такого же оформления некоторым шедеврам из экспозиций ведущих музеев. Это отличная, идеальная работа с коллекцией, когда несущественного и незначительного в их отношении - просто нет. (Любопытное исключение - знаковые картины Бориса Голополосова "Человек бьется головой о стену" и Василия Коротеева "Московский дворик". Действительно, как говорил (о "Человеке..") Александр Балашов на экскурсии по выставке, эти неотреставрированные, неоформленные работы хранят прикосновение автора, в них можно увидеть историю художника, историю о том, как картины попадают на глаза сегодняшнему зрителю...)        
Это же касается кстати и развески - когда каждой работе дано максимум места, каждой обеспечен максимум внимания.
Несмотря на то, что в каждом зале вместе представлены и живопись и графика, отдельный зал отведен только для графики и единственной на выставке скульптуры Меера Айзенштадта. Самыми мощными сегодня кажутся три работы Надежды Удальцовой из алтайского цикла, акварель Александра Лабаса "На маневрах" 1931 года. Но ощущение "в целом" от экспозиции было бы совершенно другим, было бы более слабым, если бы рядом с этими мощными работами не было бы совсем других по силе и по тону, по интонации работ - Аронова, Ястржембского, Расторгуева, Фалька.          
Еще немного про картины с выставки: работа, использованная на афише, и, наверное, самая запоминающаяся из коллекции банка - "Царские Ваньки-маньки" Константина Чеботарева - видна из всех почти залов - от входа, от дальнего зала, она - на пути к "минус первому" этажу и продолжению экспозиции. За ней, не на самом видном месте - фантастической красоты две картины Александра Лабаса, одна из самых красивых здесь (и вообще у этого замечательного художника) работ - "Сочи. Лунный пейзаж" 1924 года. Удивительно, что ее не было на больших выставках Лабаса в ГТГ и Русском музее в этом году.  
Две "французские" работы в этом же зале - Лев Зевин "На набережной" и "Гоголевский бульвар" Антонины Софроновой. Если некоторые исследователи творчества Зевина считали его участие в группе 13 случайным, то эта работа как раз на наш взгляд очень соответствует легкому, остроумному и элегантному духу этого объединения. А "Гоголевский бульвар" - шедевр. Как шедевры три гуаши Софроновой, представленные на выставке. Как вообще имя Софроновой, все ее творчество, представленное на "поставангардных" выставках может быть символом эпохи. Для многих - это известнейший художник, но действительно ли это так? В ее творчестве и, в частности, в представленных работах конечно есть Франция, но сколько в них именно русского, и насколько они современны! Свет и цвет этих картин - сегодняшняя Москва, но не только в бытовом, видовом смысле, но по духу, по ощущению гармонии, печали, судьбы и свободы...
Занимают отдельное место в этом зале два художника - Борис Смирнов-Русецкий, о его судьбе, о истории его творчества наверное стоит читать лекции, это очень интересно, важно то, что, будучи особенной отдельной историей, его картина "Осень" украшает выставку, сверкает, добавляет совершенно отдельную интонацию в общую красоту разных работ; и второй художник Николай Прокошев, о котором в сопроводительном тексте у его автопортрета 1929 года в частности написано:

Обычная творческая биография художника-ровесника двадцатого века выглядит примерно так: родился, учился во Вхутемасе, участвовал в художественных объединениях, творческих союзах, выставках. Звания и награды у независимых художников – вещь редкая, почти невозможная. Позитивная и безликая биография – по тому, у кого учился художник искусствоведы догадывались, какое влияние отразилось в его творческом почерке и видении мира, по кругу общения – что могло стать смысловым наполнением его работ. А выставки с начала тридцатых у всех были приблизительно одни и те же. Просто у иных этих выставок не было вовсе. И так получается, что неучастие в них важнее, чем участие. Короткие, похожие друг на друга биографии, которые можно прочесть в официальных источниках, ничего не говорят о художниках и являются, скорее, уведомлениями, справками, которые может позволить себе официальная историческая дисциплина. (...)

Разве слово «биография» имеет отношение к такой истории, к истории жизни и судьбе художника в России? Разве может биография состоять почти целиком из отрицаний и фигур отсутствия – нет, не был, не состоял? Картины не были приняты на одну выставку, потом на другую, и снова, и опять. И смерть в 34 года. И как будто не было художника.

Сегодня отверженность и неучастие Николая Прокошева в истории искусства становятся причиной пристального внимания к его творческому наследию, а его жизнь воспринимается как символ возможности самостоятельного и честного пути художника в России двадцатого века.       
Цитата по http://balaschov.ru/consulting/2012exhibition/#controls42 

На выставке представлено 4 работы Прокошева, одна из них - "Комната художника" 1937 года из частного собрания - фактически никогда не экспонировалась, чудом не уехала навсегда в запасники музеев, горела в пожаре, чуть не погибла, реставрировалась, но вот - она на выставке, и совсем немолодые ее хранители чувствуют сегодня свои усилия оправданными. Им очень понравилась выставка!

Возможно насмешка судьбы в том, что все представленное искусство еще так недавно принято было считать невостребованным, неофициальным, загнанным в подполье, может быть в память об этом времени половина экспозиции находится в залах, расположенных в подвале многоэтажного большого Мультимедиа Арт музея. И как раз внизу находится самая впечатляющая часть экспозиции. Зал с холодным светом, с ощущением подполья, с очень странными картинами. Видимо в изобразительном искусстве очень важна преемственность, сохранение и развитие старых идей, которые, видоизменяясь, дают нам новое... Возможно в этом подпольном зале как раз есть возможность почувствовать развитие идей авангарда, развитие идей экспрессионизма, даже интуитивное ощущение того, что такое поставангард, что такое все это искусство, собранное на выставке, когда по времени оно уже пережило свой расцвет в 1920-е - 1930-е годы. В зале находятся работы Сергея Романовича 1960-х годов, Георгия Щетинина 1970-х - 1990-х, Бориса Чернышева 1960-х, большая картина Антона Николаевича Чиркова "Вакх" 1942 года.
Но слева от входа - 3 картины Бориса Голополосова довоенного периода. Может быть знак всего русского искусства этого времени  - "Человек бьется головой о стену" 1937 года. На экскурсии Саша Балашов упомянул первое название - "Человек стукается о стенку". В этой работе не видно живописи, в ней - уже что-то пограничное. Остальные две работы создают похожее впечатление, но они еще очень красивые. Удивительно переливаются краски в "Половодье", очень странно и страшно смотрится светлый "Паук".
Работа Чиркова "Вакх" - большое грубое полотно, фигуры как куклы, нет ни света, ни тепла. Важна история картины:

Картина Антона Чиркова «Вакх» – одно из самых значительных и необычных произведений в истории русского искусства середины ХХ века. Картина была написана А.Н.Чирковым в 1942 году и навеяна впечатлениями от встречи с компанией молодых солдат тогда же, зимой 1942 года, в самом центре Москвы, когда они перед тем, как уйти на фронт, шумно и весело шли по улице, обнимали своих подруг, громко смеялись, что-то так же громко кричали… Художник видел, как они жадными глотками хватают жизнь, и в то же время смотрят в глаза смерти, перед которой предстанут завтра. Работа неоднозначная и не простая для восприятия. В картине отсутствует всякая дидактичность. Поручая образам античной мифологии живые переживания страшного военного времени, А.Н.Чирков продолжает цикл «Аллегорий», над которыми работал в 1930-х годах, полусерьёзных, полушуточных картин, главными персонажами которых выступали очень близкие ему люди. «Вакх» – тоже аллегория, но близкими художнику стали совсем незнакомые мальчики в военной форме, оставшиеся за изображением и отказывающиеся или просто не умеющие пока думать о смерти, видящие средоточие смысла жизни жизни в празднике и наслаждении, исчезающие в попытке в один зимний вечер вместить всю свою жизнь. Кажется, будто их счастье сегодня так легко достижимо. Почти макабрическая вакханалия в пустыне горя и беды, шествие Диониса странным образом превращается в Пляску смерти, и от этого в картине присутствует странное состояние растерянности, снежного онемения и холодной бесчувственности. Сам Вакх выглядит как неподвижная неживая кукла и вообще все жесты и позы персонажей картины объединены неестественным кукольным автоматизмом; они движутся как марионетки и от этого создаётся ощущение обречённости и безысходности, может быть, какого-то тупика и машинной, механистической действительности, в которой разворачивается действие истории.

Цитата по http://balaschov.ru/consulting/2012exhibition/#controls49         
            
Самый интересный на выставке (один из самых интересных) - Георгий Щетинин, представлена серия его "черных картин", никогда раньше не выставлявшихся. Успешный преподаватель промграфики в Суриковском институте, для себя он делал совершенно другое искусство; это конечно надо видеть, его, или ощущение от него очень трудно описать. В первую очередь бросается в глаза его непохожесть. Можно наверное находить западные аналоги, что-то по форме похожее, многие зрители вспоминали Бэкона, но это только по форме и отчасти. В тексте к этим картинам написано об аналогах в литературе - Платонов, Шаламов. Действительно, в картинах - обнажение, отчаяние, отсутствие любой защиты и любого покрова, и это очень мощные работы, они сразу обращают на себя внимание, к ним нужно подойти, даже если весь этот черный цвет, "чернуха" - как говорили некоторые зрители, пугает...
Рядом на той же стене - "Распятие" и "Несение креста" Сергея Романовича 1960-х. Художник имеет прямое отношение к русскому авангарду, он, как и многие художники этой выставки, основные действующие лица авангарда, тем интереснее увидеть, к чему приводит его творческий поиск. В этих двух работах - определенно пересечения с "черными картинами" Щетинина, в них - та же обнаженность и беззащитность, но и такая значительность, глубина и красота, которые скорее действуют жизнеутверждающе, чем разрушительно, они очень много дают зрителю.
Конечно, про каждого художника и про каждую картину с выставки можно и нужно очень много говорить и рассказывать. Это успешно делает и, надеемся, будет делать куратор, автор книг и художественный критик - Александр Балашов.
Творчеству Романовича посвящены конференции, о Борисе Чернышове вышла книга-альбом. Ничего нет о Щетинине, насколько известно - ничего о Голополосове, почти ничего - о Чиркове и т.д. Судя по их искусству, книги, выставки и исследования будут появляться, в это будет вовлечено все большее количество людей, - слишком сильно и мощно (тонко и красиво) разное искусство разных русских художников поставангарда, которых объединяет только следование собственному художественному языку и собственной нравственности.    
Еще пара слов о картинах: по первоначальному замыслу именно послевоенное искусство художников 1920-х - 1930-х должно было продолжать выставку. Следующий и последний зал был для Василия Коротеева и Федора Семенова-Амурского, к сожалению это не удалось реализовать, и от Коротеева - его ранняя работа, "Московский дворик", побывавшая в 1920-е на выставке в Париже. Только что в серии "Новая история искусства" была издана книга о Коротееве. Удивительно, но видимо работа с выставки - это открытие творческого метода, который художник будет развивать всю жизнь и в работах 1960-х годов доведет до совершенства, это, как и многие другие картины здесь, пример визионерства, пример, когда художник видит истинное положение вещей, настоящее устройство мира и пишет работу как будто вслепую, слушая только надиктовывающий Голос. Удивительная работа.                       
У выхода - соответственно работа монахини. Екатерина Михайловна Белякова всю жизнь занималась формированием коллекции Музея игрушки в Сергиевом-Посаде, в молодости принимала участие в выставках объединения "Маковец", в советское время - была тайной монахиней. В ее большой картине "Коктебель" ждешь конечно чего-то религиозного и загадочного, но вся большая картина - свет и тепло. Некоторые зрители начинают вспоминать свет и тепло Крыма, место легко узнается, в фигурах есть что-то античное, и есть конечно что-то от игрушек...
Рядом - "Каменка. Вид сверху" Ефросиньи Ермиловой-Платовой. Ее вторая работа на выставке "Дорога в селенье" чем-то напоминает манеру Древина, но здесь на выставке так все подобрано, что на выходе все работы отдают свет и рассказывают о красоте и чудесности повседневной жизни, это ощущение остается после музея на улице, потом начинают возвращаться сильные впечатления от других художников.
Я старался написать несколько общих абзацев о выставке, старался сделать текст безличным, но, наверное, это было ошибкой - для меня, непрофессионала, знакомство с русским искусством после авангарда, зрелище того, как на это искусство реагируют мои друзья, в первую очередь знакомство с куратором выставки и коллекции - Алексадром Балашовым еще на прошлой выставке коллекции - это такая "благая весть", хорошая новость о том, что не все еще потеряно - не только в смысле искусства, которое медленно, но верно обретается, выходит из подполья, но не все потеряно в наших ощущениях, в реагировании на картины, в интуитивном понимании не стиля, но открытости и свободы искусства.             

Саша Балашов «Жар-цвет» лекция в библиотеке им. Тургенева
gruppa5

Саша Балашов. «Жар-цвет» лекция

Четверг 25 октября 2012 в 20.00

Билиотека им. Тургенева, Москва, Бобров пер., д. 6

25 октября в цикле наших бесед о русском искусстве ХХ века состоится лекция о малоизвестном объединении художников «Жар-Цвет».

Название группы «Жар-Цвет» не только ставит вопрос о новой волне символизма в изобразительном искусстве. Оно также провоцирует дискуссию об оккультной и магической составляющих в культуре конца XIX – первой трети ХХ века, и уж наверное – о связи между фольклорной традицией и иррационалистическим миропониманием, между народной магией и абсурдистским эскапизмом в русском искусстве первой четверти ХХ века и о самом намерении искусства оспорить «реальность» у истории.

Своим названием общество обязано книге, а именно – роману «Жар-Цвет» Александра Амфитеатрова (1862 – 1938). Роман был издан в 1895 году. Удивительно популярный на рубеже девятнадцатого и двадцатого столетий, «Жар-Цвет» более всего известен ХХ веку как один из текстов, которые повлияли на язык романа Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» и некоторым образом предопределили особенности формы, а также ряд имён и событий в этом важнейшем для русской культуры тексте.


Вадим Львович Аронов - О наследии «забытых» художников. Искусство советского времени.
gruppa5

                                                                                            Саше Аневскому – правнуку художника Льва Аронова.

   Не прошло еще и ста лет со времени Октябрьской революции, не прошло еще и двадцати лет с момента развала Советского Союза, а в обществе все настойчивее ощущаются попытки осмыслить и саму историю, и, что для меня важнее, осмыслить искусство «советского» времени.

   Главное сегодняшнее направление – развенчание т.н. «социалистического реализма». Это особенно понятно в отношении литературы и живописи, где заказные произведения  наиболее отчетливо отражают прагматизм и приспособленческие способности их авторов и их заказчиков.

   Нельзя дискредитировать все произведения, укладывающиеся в каноны соцреализма, но это скорее те самые исключения, которые подтверждают правило.

   Мне кажется, что в кинематографе таких исключений оказалось относительно больше, хотя я не смог бы это утверждение аргументированно отстаивать. При этом в кинематографе странным образом на широкий экран просачивались очень значительные неординарные картины, не слишком явно, но противоречащие стандартным требованиям соцреализма. Этот феномен – предмет отдельного  обсуждения.

   Хотелось бы понять, откуда взялся соцреализм, при том что предреволюционная ситуация скорее связывается с самыми смелыми новациями в большинстве видов искусства, а уж в живописи – тем более…В конце 19-го и в начале 20-го веков протестные социальные движения захватили все развитые страны в Европе и в Америке. Развивалось коммунистическое движение с его пусть утопическими, но такими заманчивыми идеями социального равенства, братства, исключения эксплуатации рабочих, интернационализма и подавления буржуазного мироощущения.

   Противостояние буржуазным художественным вкусам и буржуазной системе ценностей вдохновляло художников (поэтов, композиторов и т.д.) на поиски новых форм и новых тем. Великий Пикассо активно симпатизировал коммунистам.

   В большинстве случаев деятели искусства сознательно или бессознательно реагировали на стремление общества к переустройству, создавая новые художественные формы, которые часто оказывались за гранью крайнего радикализма.

   Реже деятели искусства пытались напрямую быть участниками социально-политического действа средствами своего творчества. Как не вспомнить «агитатора» и «горлана-главаря» Маяковского.

   Конечно, было бы грубым упрощенчеством однозначно связывать развитие живописи (к примеру) с общественно-политическими процессами. Есть свои законы развития искусства (у каждого – свои), которые определяются глубинными потребностями художника донести до зрителя свое особенное видение мира (отчасти – свое понимание мира). И, соответственно, - потребностями зрителя (читателя, слушателя) воспринять эту информацию в закодированной форме художественных образов для обогащения своего внутреннего мира и обогащения своих возможностей эмоционального (в противовес аналитическому) осмысления окружающего мира.

   Вот такой аспект развития искусств в период «победившего социализма» наиболее интересен. В этот период для многих людей, которые искренне верили в торжество новых идей, нужна была стабилизация, нужна была внутренняя защита от сумасшедших призывов к «перманентной революции». Новации в искусстве стали казаться несвоевременными. Другое дело, что партийные функционеры довели эту тенденцию до уровня партийной политики, и это повлекло за собой множество трагедий в судьбе людей творческих профессий. Смерть Маяковского, по моим представлениям, связана в значительной степени с упомянутыми процессами.

   Само понятие «соцреализма» можно было бы переформулировать как «политически выдержанный примитивизм», однако и эта трактовка, верная во многих случаях, является по большому счету упрощенчеством.

   «Социалистический» - это еще не значит «плохой». Хотя партийные идеологи однозначно трактовали этот термин как изображение счастливой жизни народа с песнями, плясками, трудовыми подвигами и физкультурными праздниками… Остальное – буржуазные пережитки. Хорош получался «реализм» на фоне полунищего существования основного народонаселения страны.

   «Реализм» - в формальном отношении представляет шаг назад, но на практике под это понятие подпадает множество новых идей не столь очевидных и не столь вызывающих, как это было свойственно авангардистам.

   Я ограничусь ссылками на своего отца, который называл себя художником-реалистом. И это не было уступкой воцарившимся требованиям. По сути он не был «изобретателем». Первичной задачей для него была живописная передача состояния. Это могло быть некое состояние в природе – умиротворенное, сверкающее закатными отблесками, готовое через мгновение безвозвратно померкнуть; или это состояние любовного умиления при виде русской деревни; или это мгновенное сопереживание молодой девушке, встретившей первое глубокое сомнение и первые глубокие надежды.

   Я не буду продолжать тематический обзор, а скажу коротко о формальных поисках, присутствующих в отцовском творчестве. Хотя для него это не было первичной задачей, поиск выразительных средств – важнейшая составная часть творческого процесса.

   На мой непрофессиональный взгляд, характерные формальные приемы отцовской живописи состоят в очень специфическом смешении красочных пятен. Даже отдельный мазок часто несет в себе два или больше цветовых перехода. Отец очень любил крупные объемные мазки, часто пользовался мастихином для формирования красочной структуры.

При ближайшем рассмотрении красочная поверхность кажется подчас хаотическим нагромождением цветовых элементов.

   Вспоминается эпизод из моего отрочества. По какому – то поводу в нашу квартиру ( а это была по совместительству и мастерская, и столовая, и спальня для всей семьи из пяти человек) пришел по вызову рабочий по поводу какого – то небольшого ремонта. Увидав на стенах картины, он попросил разрешения их посмотреть. Смотрел внимательно, затем говорит отцу:»Мне нравится, только почему у тебя живопись такая пупыря’стая?»

   Этот глас народа мне запомнился на всю жизнь. И он свидетельствует об относительности рассуждений по поводу востребованности обществом тех или иных новаций в искусстве. В революции варилась масса простого люда страшно далекого от изысков современной живописи (к примеру). Думаю, что и вожди пролетариата мало что смыслили в настоящем искусстве.

   Возвращаюсь к формальным новациям в отцовской живописи. Очень характерный прием – использование участков загрунтованной основы (холст или картон), не покрытых красочным слоем. Эффект некоторой зскизности, точнее, - некоторой недосказанности создает в ряде работ совершенно неожиданное ощущение остроты воздействия, а иногда подспудно превращает заинтересованного зрителя в соучастника живописного действа.

   Хочу привести пример: любимый мной портрет матери написан очень скупыми мазками на холсте, где большая часть поверхности остается нетронутой. Портрет висит в моей комнате много лет, однако он постоянно трогает мою душу, как ни одна из висящих рядом работ отца.

   Приводя эти отрывочные примеры из близкой мне области, относящейся к отцовскому наследию, я пытаюсь показать, что именно можно обнаружить, исследуя творчество художников советского периода.

   Так, например, рассматривая портреты на выставке современника и друга моего отца художника Льва Зевина, я был поражен спецификой виденья образа, какой я не видел нигде. Лицо написано с удивительным подчеркиванием объемности черт:  лоб, нос, щеки… Эта объемность вовсе не означает «полноту», и она не эквивалентна натуралистическому объемному восприятию объекта. Наоборот, черты лица, выделенные таким приемом, активно взаимодействуют друг с другом. Получается некая симфония, создающая образ во всей его сложности и прелести.

   Исследуя теперь уцелевшее наследие «забытых» художников советского времени, мы можем рассчитывать на новые открытия. Эти художники работали в исключительно тяжелых условиях и моральных, и материальных, однако они по-своему углубляли достижения своих предшественников – ярких, часто спорных новаторов и авангардистов.

Работы, созданные не на продажу, а на «полку», оказывались результатом творчества, очищенного от необходимости подтверждать собственную оригинальность, очищенного от погони за сенсацией, очищенного от неизбежного влияния «рынка». В чем - то эти условия содействовали созданию по – настоящему значительных произведений.

   Я ничего не говорю о другой составляющей живописного наследия советского периода, которая связана с откровенной конфронтацией в отношении официальной идеологии.

   Я помню несанкционированную выставку в Измайловском парке. Было интересно, хотя эффект был, как мне помнится, поверхностный. Здесь была попытка продолжить развитие авангардистских устремлений, однако инерция движения по проторенному руслу была уже исчерпана.

   Сейчас наследие «андерграунда» стало доступно для изучения, но для меня эта задача оказалась непосильной и не слишком интересной.

                                                                                                    12 августа 2009 года

   


В серии «Новая история искусства» вышла новая книга «Василий Коротеев»
gruppa5

koroteevbookcover

Каждая встреча с работами художника Василия Андреевича Коротеева (1906-1969) заставляет вспоминать слова, сказанные о нём его дочерью, Надеждой Васильевной Коротеевой: «Чтобы так писать, необходима у в е р е н н о с т ь  о т ч а я н и я. Я вспоминаю отца, его способность со злостью бросить мазок – просто так это не родится.»

Эти слова созвучны мысли Льва Шестова: «Только человек, затерявшийся в вечности и предоставленный самому себе и своему безмерному о т ч а я н и ю, способен направить свой взор к последней истине.»

Немного выше Шестов пишет: «Чтобы увидеть истину, нужны не только зоркий глаз, находчивость, бдительность и т.п. – нужна способность к величайшему самоотречению. И не в обычном смысле. Недостаточно, чтобы человек согласился жить в грязи, холоде, выносить оскорбления, болезни... Нужно ещё то, о чём вещает псалмопевец: внутренно расплавиться, перебить и переломать скелет своей души, то, что считается основой нашего существа, всю ту готовую определённость... Почувствовать, что внутри тебя всё стало текучим, что формы не даны вперёд в вечном законе, а что их нужно ежечасно, ежеминутно создавать самому.»

Здесь сказано то, что составляло смысл и содержание искусства в ХХ столетии, как понимал его В. А. Коротеев – преодоление видимости, преодоление искусства как системы создания видимостей и открытие искусства в новом времени как способа появления человека и мира. Это открытие не может случиться однажды, раз и навсегда. Оно происходит постоянно, для каждого в каждый момент его жизни. Искусство – это форма, в которой человек создаёт мир. Это относится не только к художникам, но ко всем участникам диалога: нет искусства, смыслы которого остаются неизменными 50, 100, 500 лет; дело не в том, что мы знаем об исторических смыслах культуры, дело в том, как мы открываем их сегодня.

В этом-то и причина бесконечного возвращения искусства к живописи, а живописи – к фигуративности – неприемлемость никакой формулы истины и никакой модели современности. Вечное возвращение подобного. Когда современная критика говорит – мы прошли период живописи и живописи больше нет – это значит – эта критика занята другим, она отдана созданию видимостей. Это её работа в информационном поле – она наполняет фиктивные смыслы современной культуры.

Но мы знаем, что ничто не прошло; более того, разве что-то вообще случилось однажды, что не происходит, что всё ещё не продолжается и теперь? Разве может быть что-то, чего мы не сделали сами?

Книга, посвященная творчеству Василия Коротеева, стала шестой в серии «Новая история искусства», выпущенной Александром Балашовым и издательством Agey Tomesh

НОВАЯ ИСТОРИЯ ИСКУССТВА.

Новая история искусства – это программа исследовательских, общественно-образовательных,  издательских и выставочных работ в области современной культуры. Программа существует с 2004 года.

Содержанием программы Новая история искусства является исследование культурного наследия ХХ века, изучение неизвестных фактов истории русского искусства прошлого столетия и ознакомление современного общества с результатами исследований. Трудно представить, насколько неполны и искажены представления нового времени об искусстве  прошлого века.

Уникальная ценность работ, которые ведутся в рамках Программы, заключается в том, что открытые факты не только изменяют представления современности об истории русской культуры целого столетия – они изменяют самосознание нашего времени и нового поколения. Задача программы – восстановление культурной целостности и преемственности исторических эпох в России

Идея программы Новая история искусства состоит в следующем:

культурная история ХХ века изучалась в прошлом столетии крайне односторонне. Слишком часто исследования отражали реальность политической цензуры и были подчинены выполнению идеологического заказа. В то же время искреннее, гуманистическое и независимое искусство, создаваемое независимыми и по-настоящему талантливыми художниками находилось в тени фасадной, официальной, разрешённой культуры. А именно это независимое искусство представляется новому времени самым значительным достижением культуры ХХ века, так как именно в нём центральное место занимает сам человек, его мысли и переживания, его жизнь.

Мы говорим не только об открытии для современности десятков и сотен имён замечательных художников, мы говорим об осознании и целенаправленном формировании другого, гуманистического и творческого прошлого у нашего народа и нашей культуры, мы говорим о новом гуманистическом содержании заново открытых страниц и заново прочитанных глав культурной истории России.

В рамках Программы с 2004 года выпущено 5 художественных альбомов. Это книги высочайшего качества, отмеченные специальными премиями на национальных профессиональных конкурсах. Летом 2012 года в серии Новая история искусства вышла новая, шестая книга, посвящённая художественному наследию Василия Андреевича Коротеева.

В течение двух последних лет читаются учебные и публичные лекции, посвящённые неизвестным мастерам искусства ХХ столетия и проблемам знания и понимания настоящим временем культуры нашего недавнего прошлого. Эти лекции широко анонсируются и привлекают пристальное внимание как профессиональной, так и молодёжной аудиторий.

Создан сайт программы Новая история искусства – Артеология. http://balaschov.ru/